古典音乐导论/历史
古典音乐中有一些主要的时期和风格，其中一些存在重叠。
巴洛克音乐描述了一个时代和欧洲古典音乐的一系列风格，这些风格在约1600年到1750年之间广泛使用。这个时代据说是在文艺复兴之后开始于音乐，然后是古典音乐时代。 “巴洛克”的原始含义是“畸形的珍珠”，这是对这个时期建筑的恰如其分的描述；后来，这个名字也开始被应用于它的音乐。巴洛克音乐构成了古典音乐典范的重要组成部分，被广泛研究、表演和聆听。它与克劳迪奥·蒙特威尔第、安东尼奥·维瓦尔第、乔治·弗里德里希·韩德尔和约翰·塞巴斯蒂安·巴赫等作曲家相关联。巴洛克时期见证了功能音调的发展。在此期间，作曲家和表演者使用了更多精细的音乐装饰；对乐谱进行了修改，并开发了新的乐器演奏技巧。巴洛克音乐扩展了乐器演奏的规模、范围和复杂性，也确立了歌剧作为一种音乐体裁。这个时代许多音乐术语和概念至今仍在使用。
古典音乐是一个广泛的术语，通常指的是在西方礼拜音乐和世俗音乐传统中创作或根源的音乐，涵盖了从大约 9 世纪到现在的广泛时期。这种传统的核心规范在 1550 年到 1900 年之间编纂，被称为普通实践时期。欧洲古典音乐主要区别于许多其他非欧洲和流行音乐形式，在于它使用了大约从 16 世纪开始使用的五线谱系统。西方五线谱由作曲家使用，以向表演者提供音调、速度、拍子、单个节奏和音乐作品的精确执行。 这为诸如即兴演奏和随意装饰之类的练习留下了较少的空间，这些练习在非欧洲艺术音乐中经常被听到。在美国和英国，人们对这种类型的正式音乐的品味和欣赏在 1900 年代后期尤其少。 “古典音乐”一词直到 19 世纪初才出现，是为了试图将从约翰·塞巴斯蒂安·巴赫到贝多芬的时期“封圣”为音乐的黄金时代。牛津英语词典记录的最早关于“古典音乐”的参考资料大约来自 1836 年。
浪漫音乐是一个音乐学术语，指的是欧洲音乐史上大约从 1815 年到 1910 年的一个特定时期、理论、创作实践和典范。应该注意的是，“浪漫音乐”和多义短语“浪漫音乐”有两种不同的含义。第一个，“浪漫音乐”，通常用来表示任何一种据说是表达或鼓励亲密个人吸引、依恋或“爱情”的音乐。只有很小一部分“浪漫”音乐是“浪漫的”，反之亦然。作为一种运动的浪漫音乐指的是对早期时期（如古典时期）建立的音乐思想的表达和扩展。浪漫主义不一定适用于浪漫爱情，但这个主题在该时期创作的许多作品中很普遍。
更确切地说，浪漫主义描述了作品中形式结构的扩展，使作品更加热情和富有表现力。由于在一个典型作品中形式（与形式、调性、乐器和类似事物相关的元素）的扩展，根据作品识别艺术家变得更加容易。例如，贝多芬偏爱在他的交响曲中从第三乐章到第四乐章的平滑过渡，因此他的作品更具辨识度。总的来说，这个时期的作曲家以一种新颖而令人兴奋的方式扩展了形式思想。浪漫音乐时代在本篇文章中被定义为欧洲古典音乐的大致从 1820 年到 1910 年的时期，以及根据该时期规范和风格创作的音乐。浪漫主义时期之前是古典主义时期，之后是现代主义时期。浪漫音乐与文学、视觉艺术和哲学中的浪漫主义有关，尽管音乐学中使用的常规时间段与其他艺术中的对应时间段有很大不同，后者将浪漫主义时期定义为从 1780 年代到 1840 年代。浪漫音乐努力增强情感表达和力量来描述更深层的生活真理，同时保留甚至扩展古典时期的形式结构。
到了 20 世纪初，古典音乐的现代作曲家正在尝试使用越来越不和谐的音高语言，有时会产生无调作品。第一次世界大战后，作为对他们眼中的浪漫主义过度膨胀的抵制，作曲家采用了新古典风格，试图重新捕捉古典时代的优雅和情感距离。第二次世界大战后，现代主义音乐和作曲家试图在创作过程中实现更高水平的控制（例如通过使用十二音技法以及后来的全音列）。与此同时，作曲家也尝试放弃控制，在较小或较大程度上探索不确定性或随机过程。技术的进步导致了电子音乐的诞生。对磁带循环和重复纹理的实验有助于极简主义的产生。其他作曲家开始探索音乐表演的戏剧潜力（例如行为艺术、混合媒体和弗卢克斯斯）。
高现代运动的许多关键人物还活着，并且仍然有许多活跃的作曲家（如埃利奥特·卡特和卢卡斯·福斯）、表演者和听众继续推进现代主义的思想和形式。序列主义是战后高现代主义学派中最重要的一种运动之一。序列主义，更具体地称为“整体”或“复合”序列主义，由皮埃尔·布列兹、布鲁诺·马德纳、路易吉·诺诺和卡尔海因茨·施托克豪森等作曲家在欧洲领导，以及米尔顿·巴比特、唐纳德·马蒂诺和查尔斯·武里宁在美国领导。他们的一些作品使用有序集合或几个这样的集合，这些集合可能是整个作品的基础，而其他作品使用“无序”集合用于相同目的。该术语也经常用于十二音技法或十二音技法，它被认为是整体序列主义的模型。活跃的现代主义作曲家包括哈里森·伯吐斯尔、亚历山大·戈尔、托马斯·阿德斯、马格努斯·林德贝格和冈瑟·舒勒。