创作有效的歌曲

"歌曲作者和诗人患有相同的疾病...他们都认为自己有话要说。"

以下陈述中有任何描述了你吗？

"我每天的大部分时间都花在思考创作歌曲上。"
"我读经文并思考...这些肯定是一首歌的歌词。"
"我会记下我听到的有趣的评论。"
"我投入了很多精力来创作歌曲，并尝试创作歌曲。"
"我看到我到处都是的歌曲片段，这让我抓狂。"
"我去参加由以创作歌曲为生的人举办的歌曲创作研讨会。"
"我花时间与其他歌曲作者在一起。"
"我阅读有关歌曲创作的书籍。"
"我认为我是一名歌曲作者。"
"我痴迷于歌曲。"
"我有时会对歌词感到生气，只是顺其自然。"
"当我完成一首歌曲的创作时，我感到一种强烈的满足感。写作很难，但我总是挑战自己做到最好。有时我觉得歌曲创作应该被称为歌曲重写，因为我花了很多时间重写，直到歌曲完美为止。"

如果这些陈述总体上描述了你，那么继续阅读，我们将讨论“创作有效的歌曲”。

音乐和歌词来自内心。这不是一件容易的事。歌词是从你生命中发生的事件中创造出来的，例如 - 前情人、现在、梦想或日常生活。你生活中所有不同的经历，如果你足够努力地思考，都可以写成歌曲。

歌曲的机械元素

对于初学者来说，了解歌曲的各种元素可能会有所帮助。以下是一些定义

小节 (小节): 一段由一定数量的以一定持续时间为单位的拍子定义的时间段。
旋律: 歌曲中可以单独演唱的部分，使歌曲可识别；“主音”。旋律的元素包括
- 动机: 一组短音符
- 乐句: 两个动机组合
- 句子或乐段: 两个乐句组合
- 段落: 一组句子
- 序列: 重复但转调的旋律乐句
和声: 补充或支持旋律线的音符。这些可以演唱或演奏。在音乐理论中，它们被描述为垂直结构。如果使用和弦进行格式，则应将歌曲的和声建立在进行的基础上，并且只做一些变化。
节奏: 歌词演唱的拍子模式。有两种版本：传统的，其中每个音符按显示的那样演奏，以及“摇摆”，用于布鲁斯和爵士乐，例如，两个半拍是“轰轰” (有点像心跳)。对摇摆的更技术性的定义最好用八分音符来描述。与其“直”弹，或在降拍和升拍弹：而是延长降拍八分音符，在较慢的节奏中可能会有一个停顿，然后是一个快速的非降拍八分音符。这是通过形成两个三连音 (假设 4/4 或“四四拍”) 并在三连音中演奏第一个音符，第二个音符静音或“休止”，然后演奏第三个音符来实现的。摇摆可以在较慢的节奏中创造一种悠闲的感觉，而在较快的节奏中则可以提供一种推动音乐前进的驱动力。在极快的节奏中，它可能会变得技术上不可能或导致失去脉搏/拍子，但这主要只出现在电子音乐形式中。
速度: 歌曲的速度，以每分钟拍数 (BPM) 为单位。更高的 BPM 数表示速度更快，而较低的 BPM 表示速度更慢。
拍号: 4/4、2/4、2/2、3/4、6/8 等等。上面的数字表示一个小节/小节中的拍数，下面的数字表示小节中音符的音值。例如 4/4 = 一个小节中的四个四分音符。6/8 = 一个小节中的六个八分音符。

不同的拍号可以根据拍子强调提供不同的节奏感觉。4/4 是一种非常标准的感觉，适合称为“四四拍”的拍号，而 6/8 通常像 2/4 一样演奏，拍子被分成三等分的三连音或“附点四分音符感觉”，并且是“有弹性”的 (它在许多爱尔兰/凯尔特舞蹈/吉格以及“海军”/水手音乐如民歌中很常见)。更复杂的音乐可以包含“奇数”的非标准拍号，例如 7/8，它在歌曲之间的拍子细分方面有所不同，但每个小节中不均匀的拍数会产生不均匀的节奏模式。7/8 中的一个例子可以是 1-2、1-2、1-2-3 (强调放在 1 上)，并且感觉像 3/4 并且有一个延长的第三拍。不同的八分音符分组和强调用于改变感觉。

通常，每首歌曲都包含以下部分

引言: 歌曲开头简短的器乐部分。
主歌: 歌曲中具有自己旋律的部分，通常在引言之后，并在副歌之后再次出现。大多数歌曲有两到三个主歌，重复相同的旋律，但歌词不同。主歌通常大约有八个小节，但传统的十二小节布鲁斯可能使用十二个小节。
前副歌 (又名通道): 一个简短的部分，在主歌的基础上发展，通常通向副歌。
副歌: 歌曲中具有不同旋律的部分，通常在主歌和桥段之后。副歌可能非常重复。
桥段或八小节中间段: 歌曲中不同于主歌和副歌的部分。桥段通常出现在主歌和副歌之间的过渡中，或在两个不同调的副歌之间；因此，它有时被称为“桥段”。因为它通常是 8 小节长，所以它也被称为“八小节中间段”，尤其是在英国和欧洲。无论它如何构思，它的主要功能是在总体结构的背景下为耳朵提供一种摆脱主歌和副歌重复性的“解脱”，提供一种新的视角。
副歌: 歌曲中一个重要的短语，令人难忘的主题。副歌通常在歌曲的不同时间重复。也称为动机。
尾声: 歌曲的结束部分；通常重复副歌或歌曲的重要部分。可能与副歌相结合。在传统的西方音乐中，尾声是音乐中一个独立的部分，只有在指示时才会演奏 (写着：到尾声)，通常只演奏一次，并且经常用作以循环的形式结束歌曲，例如传统的美国毕业歌曲“威风堂堂”或其他需要演奏不同持续时间 (或其他创造性用途，或作为节省书面音乐空间/墨水的方法) 的进行曲。

通常，值得花时间首先从一个和弦 (或吉他弦) 序列中创造一个旋律，你的歌曲将围绕它展开。为大众创作歌曲需要一个“副歌”。副歌可能只是一个旋律结构，但也许更可取的是将旋律与巧妙的歌词结合在一起。

例如，在著名的“丹尼男孩”或有时称为“德里之歌”中，“副歌”出现在旋律似乎试图冲向副歌，而歌词“但你回来吧”伴随着和弦进行中的冲刺。

相反的过程，即为歌词配乐，要困难得多，而且在大多数格式中也都不那么成功。(将歌词与旋律配对可能会创造一些“被迫”的句子或措辞以适应。在写完歌词后开发旋律可以让你从词语的音节中形成基本的节奏结构，添加扩展和改变以发展有趣的旋律运动。了解特定句子或部分的音调，也能让你更好地匹配情绪的音乐，以获得更一致的感觉。很多人发现这些优势很有帮助，而且这样写作绝非不正确或更难。歌曲创作是一个每个人都独一无二的过程，做最适合你的事情。)

但有一些情况下，将音乐与歌词结合在一起是一个更好的选择……例如，一首押韵诗或有规律节奏的自由诗很容易改编成歌曲。基本的和弦很适合，I - IV - V 进程和 iv - IV - V - I 和弦都奏效。

流行歌曲形式

流行音乐有几种常用的形式。这些通常由四个 8 小节的乐句组成，构成典型的 32 小节形式。通常，这整个 32 小节就是一个副歌。

A-A1-B-A (三部曲)是最著名的。主旨通常在 A 部分，这使得它可以重复，将主旨印在听众的脑海中。主旨是歌曲中令人难忘、朗朗上口的片段，可能包含以下一项或多项：标题、音乐短语、即兴演奏或制作效果。在 A1 部分，歌曲通常通过添加新的乐器或以其他方式提高能量水平来发展。B 部分，通常被称为过渡，是音乐（通常也是歌词）上的对比。

示例：Over the rainbow, Yesterday, Just the Way You Are, What'll I Do, Ain't Misbehavin', As Time Goes By。

A-B-A-B (二元节/副歌)由 8 小节的 A 作为节，后面跟着 8 小节的 B 作为副歌。后半部分作为重复，在旋律、和声或两者方面略有不同。

示例：Material girl, "Sunrise, Sunset"

A-A-B-B (二元)：一个 8 小节的 A 乐句，后面跟着它的重复，然后跟着 8 小节的 B 乐句及其重复。重复可能存在变化，也可能不存在。

示例：e 小调布列舞曲

A-B-A-C：用 B 乐句提供变化，用新的结尾素材在 C 乐句中重复 A 乐句。
A-B-C-D：每个乐句都用新的旋律素材提供变化。这比较少见，因为它需要听众更多地注意，并且重复主旨的机会更少。

另一种流行的形式，即 12 小节布鲁斯，也很常见。请参阅音乐理论/布鲁斯，了解 12 小节布鲁斯形式的多种类型。

歌曲创作“工具箱”的工具

一些有帮助但并非必需的东西

歌曲创作的天赋。显然，如果你在这方面有天赋，你将在比赛中遥遥领先。有些人天生就是技艺高超的作家。这就像呼吸一样自然而然地发生。另一些人渴望写作，渴望到快要死了，但他们想不出任何能打动人的东西。我们大多数人处于两者之间……相当优秀的作家，可以从学习歌曲创作技巧中获益。（那些天生有天赋的人很可能不会出现在这里，对于“没有天赋”的人来说，你实际上只是没有练习。经验比天赋更有用，你会学到所有做错的方式，这实际上会让你更好地理解技巧，而不是“幸运地”创作出好作品，但不知道原因和方法，也不知道如何从那里扩展。）
绝对音高。当然，这是一个有用的工具，但并非必需。（更常见的叫法是“完美音高”，指的是能够区分和识别音高、音符或和弦并按名称说出它们的能力。这是一种你天生就拥有或没有的才能。同样有用且类似的工具是“相对音高”，指的是能够区分和识别从已知起始音高开始的音程和和弦运动的能力。同样地，你会获得更多的音乐知识，例如音阶度数和和弦倾向，如果你有完美音高，你不会仅仅“拥有”这些知识。经验永远更好，天生天赋只是给了你一个先发优势，同时还会阻止你真正学习正确的方法（走捷径）。）
一些创造性的倾向。“大多数人看到太阳下山。我看到山峰升起。”
对诗歌写作有深入的了解。（虽然如果你现在听流行歌曲，你会发现形式或押韵经常缺失。决心要超越并继续创作有意义的音乐，这是你的方法，也是你与任何听你歌曲的人分享自己或信息的机会。不要浪费它去物化女性和幻想毒品，除非那是你的意图，是吗？）
唱歌或演奏乐器的能力。（许多富有的歌曲作者实际上什么乐器都不会演奏……当然，演奏你创作的音乐很有用也很充实，但完全有可能在不听到它们的情况下创作歌曲。以贝多芬为例。他在失聪的情况下创作了 26 部交响曲。另一种选择是走电子路线，就像许多现代艺术家使用软件一样，该软件允许你分别准确地输入音符/和弦/任何东西，然后播放。）
与其他作家的合作。（总的来说，作为一名音乐家学习和成长的最佳方式是与他人合作和演奏，这与独自演奏是完全不同的水平，而且通常更有趣。）
多轨录音机（卡式四轨，电脑程序，智能手机应用程序等）
录音机，用来记录它的声音。
音乐理论。虽然今天世界上唱的一些最伟大的歌曲，都是那些对音乐一无所知的人从心中诞生出来的，但如果一个人想要以某种风格演奏，他们也应该遵循这种风格。例如，如果一个人要创作布鲁斯风格的歌曲，无论歌曲的内容如何，他们都不应该偏离 12 小节布鲁斯太多。（任何对音高和音高关系有一定感知力的人，只要花点时间，就能创作出一些音乐，理论让你了解为什么事物有效，以及如何最好地实现某些效果，除了了解如何发展音乐想法之外，而不是猜测/尝试直到找到你想要的。通过这种方式，许多新的有趣的想法可以发展，你应该做一些，但了解一些基本的理论会加快这个过程，并有助于防止由于陷入“困境”而感到沮丧。）
来自经验丰富的作家/音乐家的素材你不必听任何其他人来创作自己的音乐，但沉浸在其他有才华的人的作品中，有利于激发灵感，了解哪些已被证明有效，以及获得动力。

永远不需要的东西

乐器上的精湛技巧。
美妙的歌喉。（你绝对不必唱得很好，但最好至少培养一下能够用正确音调和音高唱歌的能力。如果不能唱歌，哼唱或吹口哨也可以。能够用除自身以外的任何材料在任何地方尝试音乐想法或原型，非常有用。你甚至可以记录下这些想法，以便在灵感来临时保存，这也鼓励这样做。最后，用一首歌曲一起演唱歌词或音高，可以让你与歌曲建立起有机的联系，并帮助你更好地理解分析中发生的事情；演唱和声或低音部分可以扩展你的创造力，除了有趣之外，还可以为一个简单的想法增添深度。）

要求

与你的主题建立亲密而重要的关系。
对你的目标受众具有敏感的精神。
耐心。（有时你会遇到阻碍或障碍。克服它们。）
一份付费工作或正常的教育。（不要指望马上就能签唱片合同，老兄。）

成为一名有效的歌曲作者

你需要了解你的主题，这是必不可少的。毕竟，讨论你不了解的主题非常困难，而且研究，尽可能多地了解主题。

写你所知道的东西。如果你的歌曲对你没有意义，它们可能对其他人也没有意义，而且你对主题的缺乏了解和你对主题的缺乏热情将会显露出来。

主要以表达你自己的感受为主，谁比你更了解你的感受呢？

努力扩大你的词汇量。虽然有些短语可能非常有意义，但可能有一些词更适合你想要表达的意象。此外，如果可能的话，尝试“沉浸”在主题中。

你需要脆弱；要成为一名优秀的作家，你必须在写作中保持脆弱。如果你隐藏，那么歌曲也会隐藏。对于歌曲作者来说，没有安全的避风港。如果你选择玩安全牌，不冒险，你的歌曲就会充满陈词滥调，肤浅而乏味。

你需要练习，你需要坚持不懈；是的，有时，歌词和旋律会自然而然地流淌出来。但大多数情况下，歌曲创作是一项艰苦的工作。歌曲创作需要工作、练习、导师、学习、勤奋和承诺。我们应该致力于发展我们的写作技巧。

不断练习、唱歌和写作。每天写点什么，即使你写出了一些最初听起来可能很俗套的东西。你可以修改它，以后把它变成好作品。你内心潜藏的任何音乐冲动都会释放出来。

歌曲的重要元素

歌曲最重要的方面是“可唱性”

歌词的重读音节是否与音乐的重读拍子相匹配？（如果你先写歌词，如前所述，这个问题就不那么严重了。）
你想强调的词语是否用较长的音符演唱？（较高的音调或对比音调也能比较低的音调更有效地吸引人们对某个词的注意，而较低的音调可能会在其他音乐或重复音调中消失，而重复音调通常不会引起音乐兴趣，除非以特定方式使用。）
它有平滑的旋律吗？（如果巧妙运用，偶尔的跳跃或断奏是完全可以的，并且会增加趣味性。）
音程容易唱吗？（通常，2 度、3 度、4 度、5 度和 8 度最容易。）
旋律是否得到了和弦进程的支持？
旋律是否落在大多数人可唱的音域内？（通常，不要低于 A；不要高于 D。）（什么 A？什么 D？存在八度音程。如果你想要一首赞歌，这一点很重要，但如果你的音域非典型，或者你的音域高于平均水平，不要觉得你不能炫耀你的音域。人们喜欢跟着歌曲唱歌，但人们也喜欢被震撼，并欣赏才华/能力的展现。）
是否太冗长？太多词语会让人难以集中注意力在主题上。
一个主题：专注于“种子思想”。
重复：这使得歌曲更容易被会众记住和背诵。（以及可能很无聊。很多音乐不重复，再次问你，你是想要一首赞歌还是一些个人化的东西？）
意象：它是否捕捉到了一个意象？它是否描绘了你对特定时间特定情况的感受的画面？
自洽：旋律是否与歌词表达一致？尽量避免将快乐的歌词与令人毛骨悚然的旋律配对。当然，这样做也是可以的：例如，Asaki 的歌曲就是很好的例子（它们的旋律很令人毛骨悚然，但歌曲却很欢快）（悄悄地说，先写歌词通常会更容易做到这一点）
是否“朗朗上口”？：是否有创意的和弦进行？是否有有趣的押韵方案？是否有创意的旋律？是否有头韵？

建立联系

歌词可以说是歌曲最重要的部分。要清晰明了。听众理解你的歌词是首要的和根本的。如果不是……它可能和器乐演奏没什么区别。（人声是一种乐器，许多音乐家将其作为乐器使用，专注于音节的音乐性，而不是清晰的词语……听听贝鲁特的 Zac Condon，他一半时间你都听不懂他说什么，但听起来确实很不错。还有许多演唱风格会扭曲声音，例如更硬核音乐中的咆哮和尖叫。）
它是否使用目标受众的语言？如果目标是青年，它是否“有节奏”？如果目标是孩子，它是否快乐？
是简单的“ABC-摇滚”，还是 70 年代的“艺术摇滚”？
它是为小型团体还是大型人群准备的？你的阵容可以演唱它吗？
是否有可以由主奏乐器填补的长停顿？
可以增加更多停顿，让你的节奏“休息”一下吗？

简单

简单的意象像锋利的刀子一样直击人心。初学者最常见的错误之一就是试图表达太多。最简单的歌曲通常是最有力的。

用“代码”写成的复杂歌词，听起来像其他某首好歌，并不能打动人。许多作家躲在模糊或复杂的歌词背后，寻求安全感。（许多听众喜欢解码歌词的含义。你想怎么做就怎么做。）

如果你试图在三分钟内表达你对生活中所有事情的感受，你就会失去听众。现在，表达你对某一件事的感受，更能打动人心。

当你积累了大量的歌曲创作经验后，你可能会决定在作品中加入一些象征、隐喻或反讽的元素。一首有多层含义的歌曲会越来越有趣；如果这首歌比最初听到的要多，它就会保持新鲜感。

激发创作灵感

安静时间：富有表现力的歌曲和歌词的关键在于个人安静时间。

冥想是一种非常有效的方法。没有比你的内心声音更具创造性的表达方式。内心声音既可以流动，也可以塑造：你可以让想法涌现，也可以改变它们。它通常出现在你静心的时候。当你敞开心扉倾听你的内心声音时，你更容易听到、理解和塑造想法。

困难和毁灭从改变人生的个人经历中汲取灵感。

这在民谣风格的歌曲中很重要，例如布鲁斯和乡村音乐。具有积极结局的负面故事可以非常鼓舞人心。愤怒的歌词可以成为听众寻求的宣泄。

头脑风暴如果你是一名音乐家，坐在你的乐器旁，尽情演奏。

如果你是一位作词家，写下或唱出你脑海中的任何想法。即使是看似枯燥或奇怪的歌词也要写下来，以打开你的思维，让你发现更有趣和熟悉的歌词。重要的是至少要考虑你脑海中的所有想法。你可以稍后重新编写和塑造歌词，随着你越来越清楚地了解你想表达什么，或者意识到你可以用其他方式表达，就可以进行调整。

这仅仅是一种感觉吗？那就跟随你的感觉——不要再寻找其他东西。

将这些感觉融入到词曲中。你必须寻找与感觉相匹配的情景，或者寻找与词语相匹配的感觉。情感要全面：写各种情绪的歌曲，但要意识到哪些情绪不适合，如果你认为你的音乐类型非常严肃，就不要写幽默的歌曲。

你仅仅有旋律吗？对着它唱点什么，任何东西都可以。

将音符翻转过来：尝试用第二个音符作为第五音，然后作为第四音和第三音。看看什么有效。记住，越熟悉的声音越好，因此你必须多次尝试你写的新旋律，然后再丢弃它。

这仅仅是一个想法吗？

单一的想法是一种写歌的强大方式。感觉通常已经隐含其中。一个有趣的故事、拟声词或扩展推理或隐喻，很容易围绕一个简单的想法写出，只要花足够的时间。你对每个短语、单词和声音的每一个想法都很重要。不要害怕尝试你脑海中的任何东西。利用改进想法带来的满足感，继续改进你的想法。

- 头脑风暴 - 写下你想到的每一个相关想法，

并且永远不要丢弃任何东西。鲍勃·迪伦在与更高力量的著名访谈中说，如果一首新歌没有灵感，他会继续创作其他歌曲。在另一个关于迪伦歌曲《Tangled Up In Blue》的访谈中，他说他花了好几年时间将各种女性融入一个角色，所以有时要继续前进，但要保留每一个想法，以便在某个地方发挥作用。

- 写下你的想法和歌词，并始终录制歌曲的草稿。

听录音。它在整首歌中都有一个线性线索吗？还是像这个维基百科一样：在一个伞状结构下，许多独立的想法拼凑而成？有什么短语不太通顺吗？你能用另一个短语替换它吗？你有没有什么让你感到尴尬的地方？你在关于扑克的歌曲中谈论你的松饼吗？

- 大声朗读你的歌词。

是否有笨拙的词语组合？有什么词语意义非常深刻，但读起来并不那么深刻？那种深刻的含义是什么？你能直接写出来吗？

- 主题是普遍的，还是如此个人化，以至于只有你才能理解？

记住，主题是细节背后的普遍含义，例如爱、勇敢、善、恶等。总会存在主题，你只需要让它保持一致。

你有一个很棒的和弦进行吗？如果你可以接触到钢琴，用左手弹和弦，用右手即兴创作旋律。

事实上，简单的优秀和弦进行数量有限，而且这些和弦进行已经被写过了，这也解释了为什么你写了那首非常酷的歌曲，然后意识到你从某人那里借鉴了它，他们也“借鉴”了它，因为几个世纪前我们就已经没有“新的”简单和弦进行，更复杂的和弦进行实际上是简单和弦进行的组合。

或者……你只是想发财吗？

好吧，不要浪费时间在音乐上；还有很多其他职业的收入比 99.99% 的音乐家赚得多。即使是许多声称很富有的音乐家，也从未赚过一分钱，因为他们在制作、巡演和发行上花费了太多钱。如果你想发财，那就选择任何需求量大的职业。是的，你可以通过音乐成为百万富翁，但请统计一下热门歌曲的数量，然后想想历史上创作歌曲的总数，然后再想想有多少热门歌曲是盈利的。另外，即使你创作了一首热门歌曲，你如何才能获得成为百万富翁所需的全国性受众？唱片公司甚至不再接受投稿。在你花了好几年时间恳求朋友来参加演出，甚至不听你精心创作的歌曲之后，你必须不停地巡演。然后想想每个人都有自我，而你的歌曲并不像最初看起来那么好。事实上，成功取决于你是否能够打开自我，除非你恰好是某个社会运动的一部分，而此时，没有人真正倾听。打开自我的一种练习是，将你最喜欢的歌曲的前两行分解，然后分解你最棒歌曲的语言和诗歌。即使敞开心扉写出更好的作品，也不能保证成功。有无数的歌曲作者在去世多年后才被认为是伟大的作家，但在他们生前却无人问津。

- 这并非完全不可能。只是近乎不可能。

如果你创作音乐仅仅是为了发财，你很有可能会非常沮丧。我们无法完全控制他人如何接受我们的创作。如果你试图改变自己，以适应你认为他们想要的东西，你永远不会对此感到满意，他们也不会对你感到满意。但同时，如果你不愿改变你的歌词，使之更有意义，因为某种难以捉摸的高尚情感，那么你可能是在欺骗自己，你的成功取决于耳聋的听众。

关于原创性的一句话……

作为歌曲作者，我们不必重新发明轮子；我们只需要以自己的方式转动它。作曲家未能保持原创性，是因为他没有倾听自己的音乐声音。作曲家经常重新创作潜意识深处的旋律、和声和节奏织体。最初这不是问题，因为所有音乐都必须从某个地方开始。我们必须能够将它带到一个新的地方……一个对我们对风格的“理解”来说是原创的地方。有时，作曲家创作了一首成功的歌曲，却发现它已经被写过了。

另一种常见做法是，词曲作者使用相同（或类似）的知名旋律。例如，《月光花》和《翅膀》都是基于古典钢琴曲《绿色的薄雾》。然而，通过旋律的变奏（一个是更戏剧化，而《翅膀》更欢快），以及不同的歌词，它们成为了两首截然不同的歌曲。不过，在使用他人的旋律时要格外小心，尤其是在版权法最为严格的发达国家。

音乐中最常被重复利用的部分是和弦结构。和弦的数量有限，几个世纪以来，人们已经发现了许多最自然悦耳的和弦变化。你可以演奏大约一百万首歌曲，它们都具有C调和弦进行：C - Am - F - G，或者其顺序变体（C - F - Am - G）。只要你拥有自己的音乐想法，建立在这些和弦之上，你的歌曲仍然是独一无二的，就像其他一百万首歌曲一样。这提供了一个绝佳的机会，可以通过创造性地使用其他和弦来使你的歌曲脱颖而出。不要局限于一个调或固定的进行，一些最有趣的音乐使用离调（非自然音阶）和弦或音阶变化和模态交换。所有这些都属于更高级的音乐理论，但当你厌倦了听到你一直听到的相同进行时，它是你努力的方向。你也可以在同一个进行中使用不同的调演奏：例如，Bb 调的 I - vi - IV - V 将是 Bb - g - Eb - F。这些是不同的和弦，但它将具有相同的“感觉”，因为它具有相同的张力建立和释放模式。然而，它会改变音高和音域（确保它是你实际可以演奏或演唱的调），这可以赋予歌曲更明亮或更暗淡的氛围，并且在歌曲中改变调，如果处理得当，可以非常有效，此外还可以赋予你的歌曲更独特的个性。

结论

一旦你认为你的歌曲已经准备好与乐队分享，让几个客观而成熟的朋友帮你进行诚实的评论。不要害怕进行修改，并考虑他们的意见。
专注于过程，而不是结果。拥有目标是好的。更重要的是，将你的时间花在让你感到愉悦的事情上。为了达到一个“地方”而经历多年的剥夺和牺牲，很多时候都会换来多年的剥夺和牺牲。“地方”永远无法给予足够的补偿。问问任何身处你想要去的地方的人。
如果你足够强大，你可以在你创作的歌曲中找到自己的身份，就像任何一首诗一样。

拍子是一个学习中的作家并不总是完全理解的东西。简而言之，歌曲中的拍子是每个音符的测量。研究最好的作家，看看他们在哪里减轻了任何节奏单调的可能性，通过在每个节中插入对比部分。

风格参考