西方音乐史/当代音乐

当代音乐时期是继现代音乐时期之后的时期。它通常被认为从公元 1945 年持续至今。

当代音乐（一般来说）以原创性为基础。当时的当代艺术家使用不和谐音，试图违反音乐多年来遵循的“规则”。

在浪漫主义时期之后，音乐开始分化为许多不同的流派，因此当代音乐一词被用来表示时间段，而不是风格。

当代音乐有许多子类别，比如极简主义，一种利用有限音乐素材的风格，被许多艺术家探索，包括史蒂夫·赖希、约翰·亚当斯和菲利普·格拉斯。其他流派包括新浪漫主义、序列主义和后现代主义。

当代音乐时期形成于 19 世纪的最后一个季度，通过一场名为印象主义的绘画运动。大约在 1870 年，一群法国画家拒绝了浪漫主义时期。20 世纪音乐反映了机械原子时代的艺术和文学的影响。由克劳德·德彪西和莫里斯·拉威尔等作曲家所代表的令人愉悦的印象主义音乐，让位于十二音音乐的实验，通常与第二维也纳学派相关联。一些作曲家从世界各地汲取灵感，比如奥利维埃·梅西安，他的有限转置模式不允许传统终止式，因此他的作品有时被认为超出了西方古典音乐的传统。

当代音乐还包含一些普通大众可能不认为是“古典音乐”的流派。其中许多流派通常依赖于最近发明的合成声音或非传统音阶和和弦，比如爵士乐或电子音乐。

除了这些之外，浪漫主义时期的一些人对他们的歌曲进行了变奏，以便他们能够加入印象主义元素。其中一些作曲家包括贝拉·巴托克、伊戈尔·斯特拉文斯基、谢尔盖·普罗科菲耶夫、亚伦·科普兰、德米特里·肖斯塔科维奇、塞缪尔·巴伯和亨利克·戈雷茨基。

音乐还包含非西方旋律，并摒弃了浪漫主义。当代音乐还引入了新的音阶作为旋律的基础（全音阶、调式和半音阶），以及和弦的使用。一些常见的特征，并不总是存在，也不仅仅是这个时期的特征，包括

1. 比其他时期更少的抒情旋律。
2. 不和谐的和声
3. 复杂的节奏
4. 打击乐
5. 更多地使用打击乐、铜管和木管乐器。
6. 使用合成和电子声音

电影配乐

原创配乐在 1960 年代蓬勃发展，许多作曲家开始为他们参与制作的任何电影创作原创配乐。音乐剧也开始变得非常流行，无论是动画片还是真人电影。到了 1960 年代后期，随着不涉及角色唱歌的真人电影越来越受欢迎，被拍摄和发行的音乐剧数量开始减少。例外的是伟大的、流行的电影音乐剧《音乐之声》。

在 1960 年代，电影配乐开始再次发展。这种演变是逐渐的，但 60 年代标志着电影配乐中交响乐的真正开始。许多 50 年代后期和 60 年代初期的电影都是基于历史事件、史诗或热门小说的电影和故事。当时的电影音乐极其戏剧化，需要更大的合奏。这一时期的电影，比如《埃及艳后》、《人猿星球》、《金手指》、《杀死一只知更鸟》，最重要的是《精神病人》，都体现了这一点。

主导动机

《精神病人》是一部由伯纳德·赫尔曼配乐的美国恐怖片，于 1960 年上映。这部电影是第一部在电影配乐中使用原创主导动机的美国电影。主导动机是一个音乐主题，应该与人、思想、地点或事物相关联或与其相关联，它被认为主要由理查德·瓦格纳使用，尽管早期的作曲家，比如沃尔夫冈·阿玛迪斯·莫扎特，也使用过这种技巧。伯纳德·赫尔曼为电影《精神病人》中的角色创作了一个由三个音符组成的主题。

约翰·威廉姆斯

约翰·威廉姆斯

约翰·威廉姆斯，有史以来最伟大的作曲家和电影配乐家之一，在大多数（如果不是全部）作品中都运用了主导动机。约翰·威廉姆斯的职业生涯跨越了 8 个十年，在这段时间里，他为一些最受欢迎的电影和系列电影创作了配乐，比如《星球大战》、《大白鲨》、《超人》、《夺宝奇兵》、《侏罗纪公园》和《哈利·波特》。约翰·威廉姆斯利用了伯纳德·赫尔曼在电影中使用主导动机的理念，并更进一步，为特定角色创作了各种主题和主导动机。他为每个角色创作了一个主题或主导动机，每当这个角色出现在屏幕上或被提及时，主题或主题的变化就会响起。《星球大战》是第一部为每个角色或地点设置特定主题的电影，例如，达斯·维德有《帝国进行曲》，而尤达有《尤达的主题》。约翰·威廉姆斯在整个电影配乐中为各种角色使用不同主导动机的理念，成为电影，尤其是那些有续集和前传的电影，以及动作片、科幻片、冒险片和爱情片等特定类型的电影的核心部分。

21 世纪的电影配乐

如今，在 21 世纪，电影配乐仍在不断发展，尤其是主导动机的使用。许多作曲家，比如汉斯·季默、鲁迪格·戈尔森、艾伦·西尔维斯特里、丹尼·艾夫曼和久石让，仍然在他们的电影配乐中运用主导动机。电影配乐是当今电影中不可或缺的一部分，尤其是一些公司，比如迪士尼、漫威、DC、华纳兄弟、环球影业等制作的大片。

林-曼努埃尔·米兰达

林-曼努埃尔·米兰达是一位美国作曲家、作词家、剧作家、表演者和制作人。他于1980年1月16日出生于纽约州纽约市曼哈顿的罗斯福医院。他是在曼哈顿北部由父母路易斯·A·米兰达和露丝·汤斯-米兰达抚养长大的，路易斯·A·米兰达是一位民主党顾问，露丝·汤斯-米兰达是一位临床心理学家。林-曼努埃尔·米兰达有一个姐姐，名叫露丝·米兰达-克雷斯波，她是政府和通信领域的战略咨询公司的首席财务官。他曾在卫斯理大学学习戏剧，并于2002年毕业。

林-曼努埃尔·米兰达从高中开始创作音乐剧，在卫斯理大学期间（1999年），他开始了他的第一部音乐剧《身在高处》的创作。他创作的歌曲引入了诸如自由式说唱和萨尔萨音乐等概念。不幸的是，《身在高处》在多年里被许多百老汇高管拒绝了多次，因为他们认为音乐剧中的角色缺乏戏剧性。“为什么她不怀孕？为什么她不在帮派里？” 这些是高管们希望米兰达添加到他的音乐剧中的想法。

毕业后，他一边做着几份工作，一边完善着《身在高处》。他曾担任过自己母校的英语代课老师、报纸专栏作家以及政治竞选活动的广告词作家。2004年，林-曼努埃尔·米兰达、安东尼·维内齐亚尔和托马斯·凯尔创立了自由式说唱乐团，这是一个说唱即兴表演团体，他们将其发展成为一个巡回演出团体。他们在各种节日和场馆演出，甚至在2014年拥有了自己的11集电视连续剧。2008年，《身在高处》终于在百老汇首演。它演出超过1000次，获得了4项托尼奖，包括最佳音乐剧奖和最佳原创音乐奖。它随后在2021年被改编成电影。2010年，米兰达在30岁时与自己高中时期的老朋友瓦妮莎·纳达尔结婚。次年，他为音乐剧《舞动青春》共同创作了音乐和歌词。他下一部百老汇作品是2015年的《汉密尔顿》。他再次与托马斯·凯尔合作，制作了一部开创性的音乐剧，他让非白人演员扮演开国元勋。他的想法来源于2009年一本关于开国元勋的传记。他受到启发，写了一首关于亚历山大·汉密尔顿的说唱歌曲，从而创作了《汉密尔顿》。他还在自己的音乐剧中扮演亚历山大·汉密尔顿的角色。《汉密尔顿》获得了11项托尼奖，包括一项托尼奖和一项普利策戏剧奖。它还获得了格莱美最佳音乐剧专辑奖。米兰达还获得了麦克阿瑟基金会的“天才奖”。

2016年，林-曼努埃尔·米兰达是迪士尼动画电影《海洋奇缘》的主要作曲人。他认为这个机会是他从创作美国历史题材的音乐剧中轻松的休息。他在一次采访中说：“我不必处理美国历史，我不必处理事实。” 他与来自萨摩亚的奥佩塔亚·塔维塔·福阿伊及其声乐组合Te Vaka一起创作音乐，以在他们的音乐中创造许多民族色彩和背景。作曲家和工作室花了三年时间才最终完成这部动画电影的音乐。林-曼努埃尔·米兰达凭借《海洋奇缘》中的歌曲《我将前行》获得了格莱美最佳视觉媒体歌曲奖。他还为2018年的电影《欢乐满人间2》创作了音乐。2021年，他为哥伦比亚电影公司和索尼影视动画公司创作了《Vivo》。他还在这部电影中以主角Vivo的身份出演。他在《Vivo》中创作的一些歌曲包括他本人演唱的《独一无二》和《我的鼓》。他创作这些歌曲已经好几年了，但是迪士尼最终没有制作这部电影，所以他所有的歌曲都被退回并搁置了。幸运的是，他们最终又重新开始制作这部电影，米兰达欣喜若狂。同年，他为迪士尼的《奇幻旅程》创作了音乐。这部电影中的所有歌曲都是由米兰达创作的，他非常乐意这样做。其中一些歌曲包括《我们不谈论布鲁诺》、《家族传奇》和《压力山大》。林-曼努埃尔·米兰达凭借《奇幻旅程》获得了多个奖项，包括安妮奖最佳动画电影音乐成就奖、卫星奖最佳原创歌曲奖（《哥伦比亚，我的奇幻旅程》）。米兰达还为音乐剧《西区故事》贡献了西班牙语翻译。他还为儿童节目做出了贡献，例如《电力公司》、《芝麻街》和《星球大战VII和IX》。

林-曼努埃尔·米兰达以《纽约新年夜》首次担任电影导演。这是对乔纳森·拉森的半自传音乐剧《纽约新年夜》的改编。它于2021年在Netflix上映。这次他没有为这部电影创作任何歌曲；相反，他仍然使用了乔纳森·拉森创作的歌曲。米兰达不仅活跃在音乐创作领域，而且还积极参与并支持，特别是当涉及到他父母的祖籍波多黎各时。他公开支持2016年的波多黎各监督管理和经济稳定法案（PROMESA），次年，他创作的歌曲《几乎像祈祷》的收益为受飓风玛丽亚和艾尔玛影响的波多黎各人民筹集了2200万美元。当米兰达38岁时，他参加了“家庭在一起”集会，反对特朗普的“家庭分离政策”。

音乐与大脑

“音乐不仅被视为艺术和娱乐，而且是一种必不可少的感官模式，它可以提高长时记忆、阅读能力和身体发展。”（唐·G·坎贝尔）。音乐可能是一个抽象的概念，但它又如此接近我们。从我们孩提时代起，它就存在于童谣中；我们可以在商店、电影院里听到它（它让我们拥有特定的氛围）……在我们的分析中，我们将试图了解它对我们大脑的影响及其益处。

I) 大脑处理音乐 大脑是一个重量接近1.3公斤的器官，是受保护程度最高的器官之一。它由75%的水组成，消耗人体产生的能量的15%到20%。如您在图中看到，大脑分为四个部分：粉红色的部分代表顶叶，它包含触觉、痛觉和听觉。然后，蓝色的部分代表额叶，它负责肌肉控制、言语和创造力。棕色的部分是枕叶，它管理视觉。最后，黄色的部分代表颞叶，它负责阅读、记忆、嗅觉、情绪和味觉。（丹尼尔·J·莱维廷，附录A）旋律是由空气中的振动产生的，这些振动从特定频率的波纹中传播出来。频率（以赫兹表示）决定了声音的音高。音符A，参考音符的频率为440赫兹。人耳可以听到从20赫兹的低频率（低于20赫兹是次声波）到最高20000赫兹的频率（高于20000赫兹是超声波）。当我们聆听音乐时，有一些定义需要了解，我们将在下文中列出，以更好地理解音乐词汇。

“旋律是音乐作品的主要主题，是你跟着一起哼唱的部分，是在你脑海中更突出的音调的连续排列。”（莱维廷，第16页）“和声与不同音调的音高之间的关系有关，这些关系会引导人们对音乐作品中接下来会出现的音调产生期待。”（莱维廷，第17页）“音高是一个纯粹的心理结构，与实际的音阶相关。它回答了“那是哪个音符？”这个问题。”（莱维廷，第15页）“节奏指的是一系列音符的持续时间以及它们如何组合成单位。”（莱维廷，第15页）

II- 大脑如何感知音乐 当聆听音乐时，听觉皮层会被激活，音乐意象也会被激发。让我们以贝多芬为例（书中提到的一个例子）。我们知道他后来失聪了，但这并没有阻止他继续作曲。当然，他再也听不见了，但凭借他在音乐方面的知识和积累的记忆，他只能在智力上作曲。尽管我们不断地被音乐包围着，但也有一些人对音乐不敏感。构建音乐的愉悦感是一个渐进的过程，正如我们之前所见，它涉及大脑的不同部位。“音乐快感缺失者”可能无法在大脑中建立感知、记忆和愉悦之间对话的基础。这意味着他们可以从智力上理解音乐，但不会感受到任何情绪，尽管他们可以区分怀旧音乐和更快乐的音乐。

根据神经科学研究，音乐的愉悦感是随着时间的推移而积累起来的。某些音乐所引起的感情与特定的事件相关联。“音乐的愉悦感是分阶段积累起来的，从原始的、本能的效应到有经验的音乐爱好者的审美感受。”（埃曼努埃尔·比甘德）。音乐享受的水平分为三个层次：首先是本能的愉悦，它发生在身体层面，我们的身体感受到振动，皮肤的触觉感受器也一样，这足以在聆听者心中产生一种情绪。然后，情绪上的愉悦基于存储在记忆中的元素。这也会导致“音乐快感”。它与听觉皮层和对生活经历的记忆有关。最后，审美上的愉悦被描述为“专家级愉悦”，因为它是在文化中构建起来的。满足感来自于拥有音乐知识，有能力理解和解读作品，它不是天生的。当然，这三者可以同时或独立地被感受到。

III-音乐的积极影响 音乐从古至今都影响着人们的心理健康。根据毕达哥拉斯在“雅典哲学”中的论述，“音乐将灵魂从一种状态带到另一种状态。哭泣、愤怒、自怜、非理性欲望、恐惧、各种欲望。每一种紊乱都会通过合适的旋律被带回相应的德行，就像使用有效的、精心准备的药物一样。” 在亚马逊的图勒部落，音乐被用来驱赶夜间在村庄周围游荡的各种捕食者。例如，音乐疗法被认可并被用于治疗帕金森病患者。“患者可以通过音乐恢复流畅的运动，但一旦音乐停止，运动也随之停止。许多神经科学研究表明，音乐可以缓解不同的病理。它可以刺激大脑的某些部位。举个例子：一名中风患者学习弹钢琴，可以让他逐渐恢复自己的运动技能。这种练习刺激了运动皮层，这种关联有助于重建中风造成的运动皮层损伤。音乐家的脑结构不同，因为他们使用触觉、视觉和听觉。这些练习时间会改变大脑的生长。孩子开始学习音乐越早，大脑的变化就越多。此外，弹过乐器的孩子对他们语言的语调有更好的理解，词汇更丰富，阅读能力更强，学习外语更快。定期弹奏乐器会引起神经底层的变化。此外，当我们观察运动皮层的影像（负责手部运动）时，钢琴家有更发达的手，而小提琴家由于拉弓和左手快速运动而拥有不对称的手。

总之，我们已经看到音乐和记忆密切相关。音乐带来优势，并促进与音乐不一定相关的认知能力的发展。它是所有文化的组成部分，存在于人类生活的各个方面，例如儿歌、宗教仪式或用于治疗精神疾病患者的音乐疗法。它提供了一种社交和娱乐的联系，并加强了人与人之间的纽带。“音乐的感性力量和表达力是语言或书面形式所没有的。”

迷幻音乐的发展

介绍

“迷幻”一词由英国精神科医生汉弗莱·奥斯蒙德在 1957 年创造。它由两个希腊词组成，即“Psyche”，意思是灵魂，和“Deloun”，意思是显现。因此，“迷幻”一词意味着显现灵魂的能力。在现代，迷幻一词主要用于描述像 LSD 和大麻类物质这样的致幻药物以及它们对人产生的“改变意识”的影响。迷幻药物的使用在 20 世纪 60 年代急剧增加，这为音乐史和整个西方社会最激进、最突然的发展之一奠定了基础。迷幻音乐流派之所以引人入胜，是因为它快速发展和短暂的持续时间，这标志着过度使用迷幻药物（由于禁令）的开始和结束。迷幻摇滚音乐是反文化时代的核心部分，是西方世界社会的主要驱动力。本文总结了 20 世纪 60 年代之前和期间发生的促进这种令人难以置信的流派兴起的事件。

迷幻音乐的起源

19 世纪艺术中印象派和象征主义的诞生以及标题音乐的兴起被认为是迷幻音乐流派元素的基础。1830 年，海克托·柏辽兹的《幻想交响曲》描绘了对未遂爱情和欲望的鸦片诱导噩梦。罗伯特·舒曼将它描述为“每个音符都如此强烈，以至于无法进行正常的和声化。” 柏辽兹为交响曲写的节目笔记将这种痛苦和苦难灌输给听众，随着交响曲的展开。莱昂纳德·伯恩斯坦正确地将这首交响曲描述为“第一次音乐探险进入迷幻领域”。克劳德·德彪西于 1894 年创作的《牧神的午后前奏曲》是当时另一首杰出的迷幻音乐的例子。德彪西在这部作品中创造了一种自由流动、梦幻般、几乎是万花筒般的感觉，让听众进入一种恍惚状态。你可以在 20 世纪 60 年代的迷幻音乐中听到许多“德彪西式”的引用。

工业革命

浪漫主义音乐在工业革命期间盛行，这给了当时音乐家极大的自由来表达自己。工业革命的主要特点之一是蒸汽机，它使音乐家能够从一个地方到另一个地方广泛旅行，分享思想。音乐厅变得越来越大，中产阶级的崛起使更多的人能够参加音乐会，并影响音乐的发展。工业革命启动了乐器的批量生产，这使得许多人能够拥有乐器并学习音乐。人们接触到了一种新型的声音，即噪音，从工厂中金属的叮当声到蒸汽机的轰鸣声。意大利未来主义者路易吉·鲁索洛在他的 1913 年的论文《噪音艺术》中说，噪音“已成熟到可以进行艺术开发”。他敦促作曲家利用这些新声音，并将它们融入自己的作品中，以保持与人类当前状态的联系。

音乐与噪音的融合

埃德加·瓦雷兹几乎单枪匹马为主流电子音乐和迷幻音乐奠定了基础。他与科学家和工程师合作，从新的声音来源创造旋律。他尝试使用磁带循环，并为我们提供了“有组织的声音”的概念。他于 1958 年创作的《电子诗篇》扩展了当时音乐的潜力和范围。他在整部作品中对“非音乐”声音的出色运用，再加上伴随其在布鲁塞尔世博会首演的电影和灯光秀，是首批将建筑、声音工程、图形视觉和噪音融合到一个复杂的单元中的多媒体艺术作品之一。瓦雷兹开创的许多概念，如磁带操作、有组织的声音等，被披头士和平克·弗洛伊德等乐队使用。平克·弗洛伊德的专辑《月之暗面》中的歌曲《金钱》是利用噪音进行音乐创作的绝佳例子。

20 世纪 60 年代以及迷幻摇滚的兴起

西方世界的人们经历了一次又一次的创伤事件。他们经历了两次世界大战，经历了大萧条，他们失去了朋友和家人。在没有适当的心理健康专业人士帮助社会走出创伤的情况下，西方世界变成了一个随时可能爆炸的压力锅。这种爆炸导致了 20 世纪 60 年代的反文化运动，催生了嬉皮士和垮掉派文化。那个时代的人们大量服用 LSD，反对系统性种族主义。他们为平等权利而战，反战。人们接受了东方哲学和音乐。印度和中东的影响可以在那个时代创作的音乐中听到。迷幻音乐使用了像西塔琴和塔布拉这样的流行印度乐器。迷幻音乐表演现在提供多模态和多感官体验，再加上迷幻物质的消费，在观众中产生了改变意识的效果。在音乐史上，视觉艺术、音乐和哲学第一次汇聚在一起，相互促进。迷幻摇滚在 1969 年的伍德斯托克音乐节上达到顶峰，该音乐节的特点是那个时代的著名迷幻摇滚乐队，如桑塔纳、杰佛逊飞机和吉米·亨德里克斯。其他有影响力的迷幻摇滚乐队包括平克·弗洛伊德、快银信使、披头士和滚石。

迷幻摇滚音乐的衰落

LSD 在 1971 年被英国列为 A 类毒品，在 1970 年被美国列为附表 I 受控物质。禁止 LSD 单方面使迷幻音乐的发展陷入停滞。弗利特伍德·麦克乐队的丹尼·科瓦恩、平克·弗洛伊德的西德·巴雷特、滚石乐队的布莱恩·琼斯等“迷幻受害者”，让人们对药物过量带来的危险有了令人不寒而栗的现实体验。在阿尔塔蒙特自由音乐节上发生的灾难性和暴力事件，加上查尔斯·曼森的谋杀案，在人们中引发了对反文化运动的恐惧，并熄灭了 LSD 驱动的音乐的最后一丝火花。经历过毒品和社会恐怖的人们现在需要一种更新更黑暗的音乐形式来与之产生共鸣，这导致迷幻音乐发展成为硬摇滚、重金属和电子摇滚音乐。

结论

迷幻音乐的兴衰是音乐史上最有趣的现象之一，因为它始于精神活性药物（LSD）的消费，也终于精神活性药物（LSD）的消费。研究这种流派的演变让我明白，音乐是社会的音符。迷幻摇滚和反文化运动的兴起旨在让人们在悲伤的时刻获得和平，但不幸的是，正如谚语所说，“物极必反”，过度使用迷幻物质让这种不可思议的流派走向了终结。

摇滚乐

法兹·多米诺，摇滚乐的先驱

背景

当代摇滚乐是一种非常独特的音乐，主要起源于 20 世纪 50 年代。20 世纪 50 年代之后，它开始变得越来越流行。“20 世纪 50 年代中期的摇滚乐起源于几年前的节奏布鲁斯、乡村摇滚、摇摆乐和布吉伍吉。” 摇滚乐主要被认为是青少年叛逆的一种表现形式，尤其是在直男白人中。在摇滚乐的历史上有很多这样的例子。例如，汤姆·约克 17 岁就开始组建 Radiohead 乐队。安格斯·杨 18 岁就开始组建 AC/DC 乐队。

尽管摇滚乐被认为是叛逆的青少年，但也有一些其他特征帮助定义了摇滚乐本身。摇滚乐“植根于白人对黑人节奏布鲁斯的消费和挪用。” 摇滚乐也是以 riff 为基础的，这是因为它在摇滚乐中大量使用了电吉他。这有助于摇滚乐创造出这种独特且破坏性的、响亮且持续的声音。这使得它与其他流派有所不同。摇滚乐也是基于布鲁斯音乐，但声音更响亮、更重。

许多摇滚乐歌曲都是由布鲁斯歌曲扩展而来。例如，动物乐队的“朝阳之屋”和滚石乐队的“时间在我这边”都是从布鲁斯歌曲扩展而来的。“朝阳之屋”源自汤姆·克莱伦斯·阿什利和格温·福斯特的布鲁斯歌曲“朝阳之屋布鲁斯”。这两位布鲁斯艺术家创作的原版歌曲发行于1933年，而动物乐队的歌曲则发行于1964年。名为“时间在我这边”的歌曲最初于1963年由爵士长号手凯·温丁录制，由一位名叫艾尔玛·托马斯 的女士演唱。滚石乐队将这首歌改编成了一首摇滚歌曲，并获得了极高的流行度。这些只是摇滚歌曲从布鲁斯歌曲和布鲁斯音乐特征中扩展而来的例子。

猫王埃尔维斯·普雷斯利

猫王埃尔维斯·普雷斯利

说到摇滚乐，人们往往会立即想到猫王埃尔维斯·普雷斯利。埃尔维斯·普雷斯利是一位非常成功的摇滚乐艺术家，被誉为“摇滚之王”。他是最成功的摇滚乐艺术家之一，他在1954年19岁时就开始了他的摇滚乐生涯。这也反映了摇滚乐作为青少年叛逆音乐的理念。当普雷斯利“30岁时，他是演艺史上收入最高的表演者” 。

埃尔维斯·普雷斯利以其舞蹈动作而闻名，这些动作有点争议。他收到了许多批评，但他解释了自己这样做的原因。他解释说：“当我唱歌时，我会不由自主地跳起来。如果我站着不动，我会感到很无聊。” 。埃尔维斯另一个有趣的地方是他对音乐，尤其是吉他并不了解。他解释说：“买吉他是我妈妈的主意。我弹了一两年，但始终没有学到多少东西。我现在只会弹几个基本和弦。” 。这表明了普雷斯利的天赋，他是摇滚乐的偶像。

特征

摇滚乐的许多重要特征之一是它的调性。这意味着它由一个构成调性中心的音级组成，也称为主音。这是主要的关注点。歌曲中的其他音级和和弦都与调性中心相关。每首摇滚歌曲都有一个包含音阶的调。在创作歌曲时，歌曲中的音符和和弦都源于此。摇滚乐中的社会背景和文化意义也很重要。摇滚歌曲因艺术家的社会背景和文化背景而异。这就是使每首歌都独一无二的原因。摇滚乐的不同元素有助于展现其与其他类型音乐的独特性和差异。

音阶和调

音阶和调是理解摇滚乐的重要组成部分。摇滚乐中特定的音高组织、调式和调有助于定义它的特征。常用的音阶体系是七声音阶调式。七声音阶调式是“摇滚乐中主要的音高组织体系”，而“伊奥尼亚调式、米克索利底亚调式、多利亚调式和爱奥利亚调式是最常用的调式” 。许多著名的摇滚歌曲都使用了这些调式。例如，U2的“荣耀（以爱之名）”使用了米克索利底亚调式，Bee Gees的“生存之道”使用了多利亚调式，The Who的“孩子们都很好”使用了伊奥尼亚调式，Nirvana的“闻起来像青少年精神”使用了爱奥利亚调式。

这些调式在历史上不同的时期被广泛使用和流行。每个调式都有不同的三和弦。三和弦是由三个音组成的一个音程或由三个音组成的一个和弦，构成一个调性和谐。三和弦包含大三和弦、小三和弦或两种和弦的组合。不同的调式都具有非常鲜明的音色，并且都独一无二。这些调式也有助于展现摇滚乐的独特性，以及它与其他类型音乐的不同之处。

米克索利底亚调式在20世纪60年代最为流行，其三和弦是大小三和弦的组合。多利亚调式出现在20世纪60年代的摇滚乐中，并获得了流行，但它在20世纪70年代后期的迪斯科和放克音乐中更为流行和常见。其三和弦也是大小三和弦的组合。爱奥利亚调式在20世纪80年代流行起来，当时出现了一种新的音乐浪潮。这在硬摇滚乐队和歌曲中被广泛使用。这种调式的三和弦都是小三和弦。最后，伊奥尼亚调式几乎在摇滚乐的所有子类型中都有使用。它是一种大三和弦，其三和弦都是大三和弦。

和声

和声也是摇滚乐中非常重要的一个方面，值得关注。摇滚乐和声的一个特点是，“摇滚乐中的和弦以三和弦为主”，而且众所周知，“92.9%的和弦是大三和弦或小三和弦” 。这说明了摇滚乐中大部分和弦的特点，几乎所有的和弦都是三和弦。摇滚乐和声中另一个常见的特点是使用五度和弦，也称为开放五度和弦。这在摇滚乐中很常见，因为它有助于创造出摇滚乐中常见的持续和失真音色。

20世纪50年代和60年代的许多摇滚乐歌曲都使用了杜-哇普进行。这种进行是一种基于布鲁斯进行的进行，它在节奏布鲁斯音乐中被广泛使用。由于摇滚乐是从布鲁斯音乐发展而来的，因此它也包含着这种元素。另一种被视为布鲁斯进行的进行是十二小节布鲁斯进行。这也被用在许多摇滚乐歌曲中，例如猫王埃尔维斯·普雷斯利的“监狱摇滚”。这首歌使用了十二小节布鲁斯进行的修改版本。

节奏和节拍

学习摇滚乐时，还需要考虑和研究摇滚乐中的节奏和节拍。节奏很重要，定义节奏时，“本质上是指拍子的速度，以每分钟拍数 (BPM) 来衡量；在摇滚乐中，这个速度通常在每分钟80到140拍之间”；这是摇滚乐中最常用的节奏 。摇滚乐中最常见的节拍是4/4节拍，大多数歌曲都遵循这种节拍。

在节奏和节拍方面，20世纪50年代的许多歌曲都流行着一种4/4的爵士摇摆感觉。这正值摇滚乐开始发展的时候，因此爵士风格更加突出。在20世纪50年代后期和20世纪60年代初期，杜-哇普布鲁斯风格流行起来。这种风格的节拍较慢。从大约1964年开始，一种直板无摇摆风格开始流行起来。这是摇滚乐开始发生变化的时候。在20世纪60年代后期和70年代初期，简单的二拍节拍，即每小节两拍，开始流行起来。这是从4/4节拍开始变化的起点。之后，出现了不规则和变化的节拍，例如5/8节拍和7/8节拍。这主要在20世纪70年代的渐进摇滚乐中被使用，当时艺术家开始尝试更多新的风格。最后，在20世纪90年代，一种较慢的节奏再次流行起来。这是说唱融入摇滚乐的时代，它在20世纪90年代开始流行起来，成为一种新的趋势。这个时代的歌曲倾向于使用十六分音符的节奏。所有这些都说明了摇滚乐的历史发展过程中的节奏和节拍变化。

旋律

旋律在摇滚乐中非常突出。对于摇滚乐的旋律来说，音符的组合很重要。音符的组合很简单，紧密排列的音符形成音组和边界。这些音组由歌曲的歌词加强。伴奏也很重要，因为它与旋律相呼应。当伴奏与旋律相呼应时，它有助于创造出一种无缝衔接的音响效果，将整首歌连接起来。许多摇滚歌曲都具有对称性和重复性的音组结构。这体现了对称性和重复性的音高模式和韵律。例如，披头士的“她爱你”和AC/DC的“你整夜摇晃我”。

音色和乐器

音色和乐器也有助于描述和展现摇滚乐。摇滚乐中使用了泛音，这有助于创造出摇滚乐中常见的响亮和充满活力的音色。电吉他也在摇滚乐中非常常见，因为它有助于带来一种定义摇滚乐的失真和新颖音色。哇哇踏板经常被用于电吉他，它可以过滤吉他发出的声音，并缩小频率范围。此外，“电吉他配备了各种特殊效果（失真、镶边、回声）”，这些效果可以产生音频效果 。例如，警察乐队的“走在月球上”，电吉他使用了合唱器来帮助创造出失真音色。其他用于摇滚乐的乐器包括主音吉他、节奏吉他、军鼓、低音鼓、钢琴。这些是主要的乐器。

情感和张力

情感和张力在音乐中很重要。没有情感或张力，歌曲就不会吸引人。有些人听音乐是因为他们能够与音乐产生共鸣。例如，人们能够感受到的情感和感知到的情感之间存在差异。在摇滚乐中，使用了称为“效价维度”（积极情绪与消极情绪）的模型。圆周模型在效价维度中被使用。它是一个“二维空间，包含四个象限：+效价+能量（快乐和兴奋）+效价-能量（平静） -效价+能量（恐惧、愤怒）-效价-能量（悲伤）” 。这些是摇滚乐通常基于的四个象限。最后，节奏、速度、响度、音色亮度和旋律对比度在不同的能量水平上发挥作用，有助于区分硬摇滚和软摇滚。所有这些因素共同作用，定义了摇滚乐的类型，并且在定义摇滚乐中非常重要。

重要性

摇滚乐在音乐产业中占据重要地位，了解和学习摇滚乐至关重要。摇滚乐的发展史波澜壮阔，其中蕴藏着许多值得探索的方面。摇滚乐作为一个整体是独一无二的，它为不同的人提供了自我表达的方式，这也是它如此重要的原因之一。

音乐与时尚

背景

根据《服饰、身体与文化杂志》，时尚被定义为“一种文化身份的构建，涵盖所有形式，从街头风格到设计师和裁缝创造的高级时装”。虽然其字面意思是法语中的“现代性”和英语中的“奢侈服装工艺”，但时尚涵盖了社会中的所有个人，无论其身体、社会或种族差异。时尚不断发展，因为它“定义”了服装风格和个人的态度；为了发挥其影响力，它可以使用不同的方式（广告、时装秀、杂志、网红等）。音乐与时尚也寻求创造特定的身份，这也是历史上将它们联系在一起的原因。

音乐对时尚的影响

尽管时尚有着悠久的历史，但直到 20 世纪 20 年代，音乐才在“地下酒吧”（服装和爵士风格）的时尚界找到了自己的位置，当时美国出现了一项特殊的“全国禁酒令”（Caroline Friedl）。音乐一方面充当表达个人信念（政治、个性、性取向等）的方式，另一方面也作为灵感来源，催生了影响我们当今时代的全新风格。我们可以说，风格的变化主要归因于历史事件，比如第一次世界大战的地下酒吧，或冷战期间朋克摇滚的兴起。时尚与音乐之间存在着密切的联系，尽管当今社会不再像以前那样受到过去风格的影响或启发。音乐与时尚有着更广泛的视角，将差异融为一体，创造出新的流派。结果，音乐似乎比以前更忠于自己的规则，因为它不再一定与特定的服装风格相关联；例如，爵士乐艺术家可能会穿着华丽或挑衅的服装。因此，音乐与时尚的演变与以前略有不同，因为时尚遵循的规则比音乐少。然而，这并没有改变它们之间的相互依存关系。

时装秀的描述

时装秀首次出现在 1858 年的意大利，其主要目的是展示设计师的不同服装。它已经成为一项公共活动，也是来自不同艺术界人士与潜在公众消费者和新风格追随者的不可避免的约会。现在设计师可以分享他们的创作，但近年来也与音乐家合作，并获得“大规模媒体报道”（J-P. S）。时装秀或系列展示包含三个要素：环境、服装和模特。它的运作方式类似于戏剧，因为一切都经过精心安排，以确保系列的最佳展示，从而吸引观众。因此，这是一个整体，因为每个要素都必须有助于品牌或其创作者形象的成功。环境是模特将要穿着品牌作品进行展示的周围空间；它包括灯光、配饰、装饰和音乐。因此，环境是一个象征性的空间，不可忽视。服装既是最不重要的，也是最重要的元素，因为它们被视为所代表的氛围中的配饰，也是观众期望购买（因此穿着）的物品。模特必须通过他们的方式和态度来满足品牌的需要。时装秀是时尚的真实写照，它展现了事物如何组合在一起，以呈现特定形象。因此，它需要创造力，但最重要的是需要协调，才能通过图像和声音“赋予”系列生命。所有三个要素都是相互依存的，换句话说，如果在一个要素上做出错误的决定，展览（展示）就会毁掉。时装秀最重要的目的是通过服装之外的东西打动公众。时装周的实际功能已经发生了变化，它已成为时尚品牌之间竞争的地方，以增加他们的影响力，打动公众，成为影响/改变文化的时尚品牌。

时装秀中使用的不同音乐方式

音乐是环境的一部分（见上文），它起着至关重要的作用，因为它定义了氛围，并为更好地展示系列提供了条件。没有特定的音乐流派，目标是为系列使用合适的音乐，因此有各种各样的音乐（古典、电子等）。另一方面，音乐的使用方式有四种：配乐、包括管弦乐队、歌手/说唱歌手或 DJ 的现场表演。为时装秀“制作”音乐的人被称为音乐总监，他们的职责是在看到任何东西之前，通常是在看到任何造型之前，把握系列的精神、理念或概念。一部“原创配乐”是一部音乐作品（专辑），其目标是在电影中使用（声音宇宙：对话、音效、音乐），与电影配乐不同，电影配乐仅涉及为电影制作的音乐片段。它可以由一位或多位作曲家创作。时装秀所使用的原理与电影配乐相同。作曲家会根据设计师的意图，对一组声音进行排序，以代表系列的理念，并提出具体的要求。现场表演是最近才出现的，它涉及管弦乐队、歌手/说唱歌手和 DJ。管弦乐队通常是古典的，演奏各种类型的音乐，但主要是古典音乐，例如 2019-2020 年的 Dior 时装秀，其中“Dior 四重奏”演奏了维瓦尔迪的《四季》，或者在 Louis Vuitton 时装秀上，设计师 Benji B 邀请说唱歌手 Tyler, the Creator，由巴黎歌剧院指挥 Gustavo Dudamel 指挥的 Chineke 管弦乐队现场演奏。直到最近，歌手/说唱歌手和 DJ 才被邀请在时装秀期间表演；他们的表演通常是自由的，他们没有被强迫演奏特定的声音，并为这些活动制作音乐项目，例如，“Oliver（Wench）与电子音乐 DJ Arca 合作的新音乐项目”（Persson）。此外，如今美国许多艺术家为他们的表演创作音乐，例如 Kanye West 为他的系列创作音乐，同时也创作受音乐启发的系列（例如 Shayne Oliver）

音乐在时装秀中的功能

音乐的使用有着重要的原因；它将时装秀转变为独一无二且充满活力的活动。音乐在时装秀中的功能：-通过营造一种氛围，让观众保持兴趣，并关注时装秀的每一个细节，以及整个故事（预示叙事），吸引观众的注意力。-激发情感；时装设计师一直与音乐家合作，制作能够激发爱情、喜悦和悲伤等情绪的特定服装。-代表服装的主题，因为音乐赋予设计师的想法意义，帮助音乐家创作出具有真实感的时尚，定义设计师的特定风格。-为时装秀带来节奏（作为开场主题、剪辑音乐或背景音乐）；伴随时装秀的音乐也为模特的步伐提供了节奏和节奏。随着时装秀的构建，时间变化，因此需要特殊的同步。如果音乐中出现的造型比预期多或少，时装秀就会失去“节奏”。

每件服装都有其独特的音乐气质；音乐对于时装秀的成功必不可少；它为时装秀提供了视觉和听觉享受的理想环境；讨论音乐的节奏、节奏、音调和服装可以带来观众的情感共鸣，以及对形状的审美感受，从而揭示音乐在时装秀中的声音效果——一种音乐风格。在时装秀中享受音乐，了解音乐与服装风格、身体和思想的互动，从而理解设计师的创作。

结论

时装秀远远不止表面上的美丽人物和优雅的服装在T台上走秀。时装秀是一种艺术，它拥有独特的艺术语言，通过塑造人体和音乐作为“表演”，来构建动态的时尚演绎和审美。此外，它还构建了听觉和视觉想象空间的参与。音乐的声音效果不仅能让模特表演充分展现时尚的设计理念和设计风格，而且也是设计师与公众之间沟通和对话的一种手段。

'参考文献'

-Sardone, A. (2021 年 8 月 9 日). 音乐对时尚的影响时间轴. 时尚大学博客. 2022 年 4 月 24 日检索自 https://www.universityoffashion.com/blog/a-timeline-of-musics-influence-over-fashion/

- PERSSON, L. B. (2020 年 1 月 27 日), 24 次时装设计师从音乐中获得灵感. Vogue.com / Runway. 2022 年 4 月 24 日检索自 https://www.vogue.com/slideshow/24-times-fashion-designers-got-their-beat-from-music.

- Olóndriz, P. (2021 年 8 月 11 日). 时装秀背景音乐. Legis Music. 2022 年 4 月 24 日检索自 https://legismusic.com/fr/musique-pour-defiles-et-mannequinat/（音乐制作公司）

- Jean-Pascal Simard, J-P. S, (2006 年 3 月), 时装秀作为戏剧“事件”，艺术硕士论文，魁北克大学，可从时装秀作为戏剧“事件”：三个分析案例：维克多·罗尔夫、亚历山大·麦昆和约翰·加里亚诺（uqam.ca）获取，检索时间 2022 年 4 月 24 日

-Lieberman, Stanley (2000), A Matter of Taste: How Names, Fashions and Culture Change with Time. New Haven: Yale University Press, Retrieved April 24, 2022

音乐疗法

      Music therapy is a profession that has been established within the healthcare system, it has been recognized by The Canadian Association of Music Therapists since 1974. Music therapy holds practice in clinical settings as well as educational and communal. The use of music in a therapeutical setting is used purposefully to support the health and wellbeing of the individual and contribute to a better quality of life. (CAMT. Musictherapy.ca. (2022). Music therapists address the cognitive, physical, emotional, and communicative realms for many disorders and illnesses regardless of age. Because music facilitates sensory stimulation this in turn benefits the expression of complex emotion. 

音乐治疗方法

      There are multiple approaches of music therapy, it goes beyond listening to music, such as analytical music therapy, creative music therapy, and vocal psychotherapy and many more. Within these exercises the therapist can encourage either an active (the client engages directly) or a passive direction (the client listens) in the therapy session. The first approach, analytical music therapy involves improvised, impromptu music through singing, and or playing an instrument to express unconscious thought, then with the therapist it is reflected upon. Next, creative music therapy also referred to as Nordoff-Robbins music therapy is an improvisational method where the client plays an instrument and the therapist accompanies them to facilitate the expression of self. Lastly, you have vocal psychotherapy, which focuses on creating a deeper connection through vocal exercises, natural sounds, and breathing techniques. (Bunt, & Warner; Green, & Charboneau, & Gordon, (2014). 

这些技巧的实施是为了进一步将情绪和冲动相互联系起来。音乐治疗的好处是巨大的，从满足群体环境中的社会需求，降低心率和血压，减少肌肉紧张，释放内啡肽，到最大限度地减少压力的影响。音乐治疗还可以影响记忆、运动、感觉传递以及决策，并可以激活与奖励相关的脑区。

音乐治疗的好处

       Anyone can benefit from music therapy however, individuals with disabilities and illnesses have shown to greatly improve with the use of music therapy. Whether the condition be autism or brain injury, neonatal or geriatric, mental or developmental disabilities. 

音乐治疗的重点是支持身心发展的。个人的健康和福祉是重中之重，其目的是缓解压力、不适和疼痛的症状。音乐治疗是一种实用的方法，可以改善任何人的生活质量，无论年龄、种族、民族、性别、残疾或疾病。

引用

另类音乐

历史背景

正式的术语“另类音乐”仍然相对没有定义。它在 1960 年代被用来代表那些认为他们的音乐不同于“主流”的音乐家群体，以及那些不希望与流行音乐类型有任何联系的音乐家群体。创建“另类音乐”一词的目的是为一种音乐声音或内容创建一个流派，这种声音或内容不符合古典、爵士、摇滚和流行流派的准则，并有效地为所有这些不同的子流派创建一个总称。“主流摇滚乐已经，据其批评家所说，“将灵魂出卖给了商业恶魔：它已经成为榜单前 40 名电台和大型现场竞技场场馆的素材。这种音乐已经变得衍生，失去了实验性的边缘，而且人们觉得它的存在仅仅是为了让这种平淡无奇流派的推广者发财。”[1] 另类音乐流派被誉为子流派的中心，包括但不限于迷幻摇滚、流行朋克、另类摇滚、独立摇滚、大学摇滚、情绪摇滚和英式流行。“创建这样一个多元化音乐流派的手段是基于一个核心共性，即“……希望重新定义风格和流派之间的传统界限，甚至重新定义音乐本身的界限。”[2]

虽然另类音乐通常源于独立或“独立”音乐流派，但它主要是在大学广播电台播出，因为许多学生（大约 18-25 岁）开始认同他们在成年初期创造的音乐。大学广播为艺术家提供了在没有大型唱片公司的情况下进行广播播放的机会。“大学广播和大学排行榜的出现创造了一种可能性，即乐队可以突破到至少达到狂热程度的流行，而无需大型唱片公司的帮助（现在可以从独立唱片公司晋级到主流唱片公司来实现主流成功：见证 R.E.M. 和涅槃乐队）。”[3] 这些大学广播鼓励不知名的艺术家创作他们的单曲并录制它们，无论他们是否有专业代表。

“另类”一词开始代表流行的迷幻摇滚、流行和摇滚艺术家，如涅槃乐队、平克·弗洛伊德、珍珠果酱和艾丽丝·囚徒。这些乐队中的许多乐队都为创造他们的共同流派做出了贡献，并将另类音乐变成了今天我们所知的样子。

另类音乐的普及

涅槃乐队 表演

另类音乐在 70 年代末到 90 年代末达到顶峰，这巩固了一个新的官方流派，该流派将包含大量不同的子流派。随着 90 年代的开始，音乐产业开始对自称为“另类”的流派产生兴趣。“另类摇滚”艺术家，如红辣椒乐队和简的瘾，已经被主流唱片公司签约，并且已经开始吸引许多听众，引起了音乐产业人员的兴趣。

1988 年，来自华盛顿州西雅图的新迷幻摇滚乐队涅槃乐队迅速成为另类音乐的支柱，成为其他乐队的蓝图，这些乐队的目标是在新兴的流派中成名。他们最热门的单曲“闻起来像青少年精神”，1991 年 9 月，变得广受欢迎。这首单曲经常在广播中播放，并且在 MTV 工作室多次播放，包括播放他们的音乐视频以及现场表演/录音。[4]

到 1991 年 12 月，涅槃乐队的专辑《过渡时期》几乎在全世界都登上了排行榜榜首，在大约 9 个不同的国家每周都达到了第一名。涅槃乐队对另类流派的广泛普及成功地向世界介绍了迷幻摇滚的子流派。涅槃乐队的巨大成功正式开启了 90 年代的另类音乐时代，西雅图成为这种新流派的顶峰。

在另类音乐，特别是涅槃乐队的最初普及之后，人们经常质疑该乐队是否仍然可以被认为是另类，因为该乐队已经成为广播电台的宠儿，并且经常与主流媒体联系在一起。据说主唱科特·柯本一直在苦苦挣扎，因为他认为他的乐队涅槃乐队已经成为主流，这是许多其他另类艺术家所反对的概念。在他于 1994 年自杀后，许多粉丝和听众推测他自杀的原因，并认为“他的不幸自杀至少部分是对他乐队及其象征意义日益商品化和驯化的回应。”[5]，因为科特·柯本的乐队已经与代表主流流行/摇滚流派的音乐艺术家一起出现。

波士顿：另类音乐的传播

在涅槃乐队主唱科特·柯本悲惨自杀之后，另类音乐的焦点在悲剧中迷失，并开始完全转移到一个新的地方。自从西雅图的迷幻摇滚乐队涅槃乐队解散以来，另类音乐的焦点转移到了波士顿，因为像史密斯飞船和飞碟乐队这样的乐队开始进入他们的音乐流行时代。

另类音乐：世界范围

当史密斯飞船、飞碟乐队和其他来自波士顿的艺术家在美国排行榜上名列前茅时，海外正在酝酿一种新的另类音乐子流派。

英式流行作为另类音乐的子流派被引入，作为 90 年代中期英国另类摇滚的“新浪潮”，强调英国身份。英式流行乐队，如绿洲乐队和模糊乐队，将西方风格的多样性带入了另类音乐流派，他们的风格根源于“华丽摇滚”和“朋克摇滚”。英式流行最显著地包含了许多英国人会认出的主题甚至民间曲调或熟悉的谚语。

今天的另类音乐

今天的另类音乐可以说比以往任何时候都更加多样化，并且可能会变得更加多样化。由于该流派的性质不明确，任何将自己的音乐定义为偏离主流的艺术家都可以被认为是另类音乐。许多当代另类艺术家使用电子音乐、硬摇滚、流行朋克和独立流派的风格元素。

另类音乐的元素

另类音乐以主要围绕主导的吉他旋律或旋律而闻名，例如在涅槃乐队的“闻起来像青少年精神”中听到的旋律。这些吉他旋律粗犷但朗朗上口，使它们成为音乐产业新兴的理想声音。另类音乐被定义为拒绝主流音乐流派，并旨在与这些流派的商业化保持距离的音乐。虽然许多流行的另类艺术家和乐队已经进入流行和摇滚的主流，但另类音乐仍然是许多不同类型声音的总称。

主题

虽然另类音乐可以根据其定义有各种不同的主题和内容，但对另类音乐进行分类的主要主题并不意味着要限制一个多元化的流派。最常见的主题包括吸毒或滥用药物、代沟和普遍的精神疾病斗争。关于哪些主题可以被定义为另类的灵活性最终使另类音乐流派独一无二，并成为任何艺术家或乐队可以认同的避风港，无论他们音乐的主题是什么。

奇怪或不寻常的声乐

西方音乐在定义什么是常见的声乐方面非常简单。许多另类艺术家开始在他们的歌曲中采用不寻常的声乐，以创造他们与西方流行音乐之间的差距。这些艺术家中的许多人并没有在他们的音乐中加入奇怪的声乐或歌词，而是采用了独特的声乐风格，或者主唱拥有独特的嗓音。

近年来，随着“怪诞民谣”和“迷幻民谣”等音乐类型被归类，这种在另类音乐中使用非传统人声的方式已经逐渐减少，因为这种新的分类方式让艺术家们可以在 2000 年代初期通过他们的声音来定义自己。然而，许多这些艺术家仍然属于“另类音乐”这一普遍的标签。

富有创意的音乐结构

另类音乐艺术家们非常渴望摆脱主流流行音乐，他们认为避免主流结构是避免主流音乐的最佳方式之一。由于大多数流行单曲几十年来一直使用相同的歌词结构，因此很容易开发一种新的结构来定义一种新的音乐类型。大多数流行歌曲的歌词发展非常线性，遵循“主歌、副歌、主歌、桥段、副歌”的模式，而另类艺术家则将这种结构提升到一个新的水平，通过重新排列或交替歌词发展来改变这种模式。一些艺术家甚至完全废除了这种结构，创作出没有副歌或桥段的歌曲，从一个想法自由地流向另一个想法，而不受先前主题元素或乐器的限制。另类音乐往往不会引起流行音乐听众的共鸣，因为流行音乐的直白易懂风格与另类音乐的创意音乐模式和无序性形成鲜明对比。

歌曲长度

一般的流行歌曲时长在 2 分 30 秒到 4 分钟左右，这是适合在电台播放的理想长度。为了避免电台播放和成为主流的风险，另类音乐艺术家们创作了超长或超短的歌曲。这种避免电台播放的方式很有效，但最终会降低艺术家在另类音乐领域获得流行的机会。许多听众不愿意听时长长达 20 分钟的单曲。歌曲或专辑过长，会让听众不愿意完成单曲或专辑，最终降低这些艺术家的流媒体/销量和总收入。

奇特的乐器和声音

另类音乐可以被定义为“对主流流行音乐公式化程序化的音乐反应”，它鼓励艺术家们探索任何可能与流行音乐的常见元素形成强烈冲突或对比的音乐可能性。随着西方音乐越来越规范，许多艺术家开始面临原创性和使自己的音乐区别于其他艺术家作品的挑战。因此，许多艺术家不得不开始进行创造，从使用不常见的乐器到现代科技合成的声音和节拍，这些都是今天音乐听众所熟悉的。

像 Pink Floyd 这样的艺术家将这一理念铭记于心，在创作他们的许多歌曲时加入了奇特的声音和乐器。最值得注意的是，他们 1975 年的专辑《Wish You Were Here》中的歌曲“Shine On You Crazy Diamond”以酒杯作为“超凡脱俗”的开场部分中的主要乐器。

另类音乐在现代媒体中的体现

电影《蝙蝠侠》中的 Grunge 乐队“涅槃”

2022 年的电影《蝙蝠侠》中使用了经典 Grunge 时代乐队 Nirvana 的一首单曲。来自他们 1991 年专辑《Nevermind》的单曲“Something in the Way”被用作布鲁斯·韦恩或蝙蝠侠的“主题曲”，这首歌曲在大多数情况下，都会在他进入房间时响起。这首歌曲在电影中的使用至关重要，因为它明确地反映了布鲁斯·韦恩对周围环境的反应方式，因为总有“Something in the Way”。

Netflix 剧集中的“Imagine Dragons”

Imagine Dragons 的单曲“Enemy”是为 Netflix 剧集《Arcane》录制和创作的，这是一部基于在线游戏《英雄联盟》中角色的蒸汽朋克成人动画系列。这部 Netflix 剧集在 Imagine Dragons 粉丝和《英雄联盟》粉丝中都大受欢迎，因为它是迄今为止评分最高的 Netflix 剧集之一。

创作“视觉专辑”的创作型歌手“Melanie Martinez”

2019 年，美国创作型歌手 Melanie Martinez 编写、拍摄并执导了一部以她自己为主角的电影，反映了 2019 年专辑《K-12》的主题，并收录了专辑中的歌曲。这部电影讲述了主角“哭泣宝贝”作为超自然生物，在私立寄宿学校中经历的每一首专辑歌曲和经典的磨难。

打破多项纪录的另类组合“二十一飞行员”

美国组合“二十一飞行员”在音乐界打破了多项纪录。凭借 2015 年专辑《Blurryface》中的热门歌曲“Stressed Out”，这支另类组合获得了全球认可，该专辑最终成为首张每首歌都至少获得美国唱片业协会金唱片认证的专辑。这支组合还成为首支在 Spotify 上单曲播放量突破十亿次流媒体的摇滚乐队。他们的歌曲“Stressed Out”成为全球播放量突破十亿次的第 25 首歌曲。

音乐对经济的影响

1988 年的一家唱片店。虽然唱片店大多已经消失，但音乐在经济中的作用比以往任何时候都更重要，它正在转变为一个巨大的数字市场，并与许多其他行业有着密切的联系。

在当今时代，音乐对我们社会的影响巨大。无论是分享不同的文化，还是将有着共同兴趣的人联系在一起，音乐已被证明是我们日常生活中不可或缺的一部分。我们在车里、商店里、手机铃声中，以及更多地方都能听到音乐。音乐对经济产生了重大影响。在历史上，我们看到其他国家的人们出于各种原因使用音乐。音乐不仅在战争中帮助人们，而且许多人能够通过音乐表达自己并分享他们的文化差异。我们现在了解各种音乐类型，因为人们被允许分享他们的艺术。人们可以购买和收听自己喜欢的音乐，随之而来的是经济的增长和繁荣。因此，音乐不仅在地区上，而且在国际上也得到了发展。这使许多艺术家能够出售音乐并进行巡回演出，以销售更多产品，进而为他们的国家带来更多收入。

1.1 当代音乐

通过观察从现代音乐到当代音乐的转变，我们可以理解为什么我们这个时代的音乐会发展成现在的样子。现代音乐和当代音乐之间存在很大差异，例如以下特点。一方面，当代音乐的节奏更加复杂，打击乐性更强，可能会使用合成或电子声音。这包括使用极简主义等风格。而现代音乐则包括使用无调性、序列主义和印象主义等方法创作音乐。当代音乐包括摇滚乐、民谣、嘻哈、金属、爵士和布鲁斯等音乐。这些音乐风格在 1950 年代之后发展起来。它们的特点是音阶和调性、和声、节奏和拍子的不同风格。这些音乐类型是人们试图表达自己的结果。以爵士乐为例，爵士乐也是在 1950 年代左右发展起来的。起源于新奥尔良，许多非裔美国人将它作为一种社交和自我表达的形式。爵士乐手是以前的黑奴，他们找到了音乐家的工作，并能够将他们家乡传统的某些方面融入到音乐中。爵士乐被用作一种自我表达和自由的形式，它是西非节奏和欧洲和声的混合，并使用多种乐器。另一种音乐类型是摇滚乐，它在 1950 年代中期随着摇滚乐的流行而开始流行起来。这种音乐类型“以青少年叛逆为特征和识别，尤其是在直男白人中”。然而，它是 1940 年代对黑人节奏布鲁斯的挪用。它起源于非裔美国音乐，包括福音音乐、爵士乐、布鲁斯、节奏布鲁斯和乡村音乐。现在，最流行的音乐类型应该是嘻哈。这很可能是大多数人现在听到的音乐。这也是电台和媒体宣传最多的音乐。

1.2 音乐的普及

如果不了解音乐的起源，就无法理解音乐对经济的影响。音乐录制的第一例出现在 1920 年代，当时使用留声机或留声机。留声机首先出现，它是由托马斯·爱迪生发明的，他“发现可以通过将一层锡箔包裹在旋转的金属圆柱体上来再现声音”。据 Shawe-Taylor 称，在留声机之后，留了一个空位，因为爱迪生“对他的发明在音乐上的可能性缺乏兴趣，导致该领域有一段时间处于空置状态”。然后出现了埃米尔·柏林纳，他是一位来自德国的移民，他带着留声机的发明来到美国。它与爱迪生的留声机类似，使用的是扁平圆盘而不是金属圆柱体。因此，大约在这个时期（1890 年代），扁平圆盘的复制变得更加普遍，音乐录制“变得越来越商业化”。各种类型的歌手会习惯性地录制他们的音乐，以便人们更容易购买。即使是歌剧歌手和音乐会歌手等艺术家也使用这些工具并录制了他们的作品。这些最终“构成了目录的音乐基础，直到 1925 年电气录音系统问世”。然后出现了电气录音，它使人们能够播放更长的录音（20-30 分钟）。据 Shawe-Taylor 称，它首次出现在 1925 年。歌剧演唱是古典音乐录音中的领先类型，因为电气录音“允许完整录制音乐会曲目”。因此，在这个时期，竞争变得更加普遍。在 1900 年代后期，版权法开始实施，以帮助艺术家“通过尽可能多地创作音乐来赚钱”。电气录音的兴起与收音机的快速普及相伴而生。留声机和乐谱的使用开始下降。与此同时，收音机和电子录音的使用量上升。音乐产业利用了这一点，并“开始从新技术中获利”。如前所述，爵士乐和布鲁斯是当时发展起来的当代音乐类型。在这个电子音乐蓬勃发展的时代，收音机帮助普及了爵士乐和布鲁斯音乐。收音机也帮助普及了许多其他音乐类型和风格。它使听众能够“体验事件发生的现场”。收音机的价格实惠，人们也纷纷购买。1920 年代到 1950 年代被称为广播的黄金时代，收听广播的人数呈指数级增长。因此，广播使得许多音乐“在全国范围内流行起来”。

1.2.1 较新的方法

1940 年代取得了巨大的技术进步。紧随收音机之后的是录音机，包括“一个用于将声音录制到磁带上的磁道”。然后出现了卷轴式录音机，直到哥伦比亚唱片公司“完善了 12 英寸 33 转每分钟长播放 (LP) 磁盘”。这种磁盘一直是标准的录音形式，直到紧凑盘 (CD) 的问世，它将主导音乐产业。如我们现在所知，技术的进步极大地促进了音乐的发展。尽管大多数公众不再使用唱片，但广播公司决定保留并“快速提供 [唱片]”。许多个人和私人机构决定伸出援助之手，帮助保存不常见的资料，例如较旧的广播和商业录音。大约在 1940 年代，录音主要是针对成年人的，但很快战争就开始了，它极大地改变了许多人的生活。

1.3 历史上的重大事件

大萧条是一件影响音乐和经济的重大事件。这场大规模的经济衰退标志着许多艺术家音乐风格的转变。从大约 1929 年到 1941 年，美国经历了大规模的经济危机。大约 98% 的经济崩溃，失业率一直保持在 25%。许多人感到绝望和恐惧，尤其是“那些已经处于经济阶层底层的人”。这进一步解释了为什么许多艺术家，无论是在电影、视觉艺术、体育、时尚还是音乐方面，都用他们的作品来反映他们当前的处境。就像人们无力支付基本需求一样，录制音乐的销量也大幅下降。最终，它让许多“全明星完整录音”望而却步。然而，即使唱片销量下降了 40%，但其他一些领域的表现却优于大多数领域。广播公司和好莱坞等领域“经历了显著增长”。由于许多人停止购买唱片和音乐会门票，因此许多艺术家从他们的作品中获得了更少的收入。因此，罗斯福政府创建了一个名为 FMP（联邦音乐项目）的项目，他们将雇佣教师、管弦乐队演奏者、室内乐演奏者、爵士乐手、歌手、作曲家等等。该项目为“演奏西方传统“艺术”音乐的音乐家”创造了更多机会。大萧条迫使许多艺术家重新思考他们的作用以及他们对目标受众的影响，例如“音乐艺术家对更广阔的社会有哪些责任？"

1.3.1 战后繁荣

第二次世界大战结束后，经济发生了变化。人们的生活发生了新的变化，越来越多的人能够消费。这使得音乐产业蓬勃发展。在 1930 年代到 1940 年代，战后繁荣使得青少年获得了更多的钱，因此他们“花更多的钱买唱片”。最终，唱片销售和推广帮助“稳定了唱片产业”。随着电视等技术的不断发展以及由于战争带来的廉价大规模生产，音乐得以迅速传播。随着收音机和电视的出现，广播产业的存在受到威胁，这就是 Billboard 诞生的原因。Billboard 播放歌曲以提升人气，最终“开始影响唱片销量”。收音机一遍又一遍地播放流行音乐，这最终会增加销量。第二次世界大战结束后，经济发生了变化。人们的生活发生了新的变化，越来越多的人能够消费。这使得音乐产业蓬勃发展。在 1930 年代到 1940 年代，战后繁荣使得青少年获得了更多的钱，因此他们“花更多的钱买唱片”。最终，唱片销售和推广帮助“稳定了唱片产业”。随着电视等技术的不断发展以及由于战争带来的廉价大规模生产，音乐得以迅速传播。随着收音机和电视的出现，广播产业的存在受到威胁，这就是 Billboard 诞生的原因。Billboard 播放歌曲以提升人气，最终“开始影响唱片销量”。收音机一遍又一遍地播放流行音乐，这最终会增加销量。

1.4 韩国音乐

我们最近看到了许多艺术家彻底改变一个国家经济的例子。以 K-pop 为例，许多人可能最近才了解它。BTS、Blackpink 和 EXO-CBX 等艺术家不仅在他们自己的国家，而且在海外也产生了巨大的影响。他们的人气达到顶峰，成功打入了美国市场，最终走向全世界。即使他们的音乐最初是韩语，他们也能提供英语字幕，并克服语言障碍，吸引英语观众。2020 年，BTS 是第一个在美国 Billboard 排行榜上排名第一的韩国组合。他们在“2018 年为韩国 GDP 贡献了约 50 亿美元”。至于 Blackblink，他们是“第一个在 Coachella 音乐节上演出的 K-pop 组合”。这证明了即使 K-pop 是韩国制作和流行的一种音乐类型，它也能影响并传播到所有地区。K-pop 始于 1990 年代，引入了 K-pop 的偶像方面。这使得 K-pop 在“青少年和年轻人中”拥有庞大的粉丝文化。K-pop 逐渐变得越来越流行，尤其是在世界杯上举办之后。它不仅限于 K-pop，韩国文化总体上也越来越流行。这包括食物、美容产品，甚至在 Netflix 上播放的电影（韩剧）。由于技术和数字音乐，K-pop 已在所有平台（如 YouTube 和 Spotify）上提供。

1.5 通用方法

前面提到了 YouTube 和 Spotify 作为传播音乐和创作音乐的方式，但实际上还有很多其他方式。我们都知道有广播和电视，但还有 Facebook、Twitter 等平台，以及更多其他平台。现在人们可以购买、下载、流式传输和观看各种类型的音乐。YouTube 是人们用来推广音乐的主要方式之一。它允许国际内容在全球范围内分享。例如，K-pop 首次打入美国市场是在歌手 PSY 的“江南 Style”音乐视频在 YouTube 上的点击量超过 30 亿次，成为 YouTube 观看次数最多的视频时。

1.6 艺术家和艺术资金。

现在我们已经解释了音乐的普及和多元化，接下来可以看看艺术对艺术家本身的重要性。根据 Gerber 的说法，一些艺术家选择创作各种艺术来获取利润，而另一些人则出于热爱而创作。一些艺术家愿意付出努力去创作他们的艺术，“无论他们的资格、雇主、收入或其他指标如何”。有些人可能会成功，但许多人只能通过创作艺术获得维持生计的收入。并不是每个人都能因为他们的创作而声名鹊起。

1.7 政府资助和补助金。

尤其是在最近的 COVID 时代，就像在大萧条时期一样，艺术家们很难盈利。这就是政府设立补助金和资金来支持他们在需要时期的原因。最近，加拿大表演艺术工作者复原基金投资了 1.815 亿美元，用于支持 COVID-19 期间的艺术和现场活动工作者。艺术的间接资金来源包括房产税、巡回演出、音乐会、演出和节日。还有加拿大艺术委员会的补助金，为加拿大各地的艺术家提供资金。他们向申请的艺术家提供最高 3 万美元的补助金。

1.8 音乐与经济 简而言之，音乐已被证明在数百万年中具有如此巨大的影响力。人们可能出于各种原因使用音乐，例如分享故事和文化。我们这个时代的科技使这一切成为可能。它不仅打开了通往各种文化的大门，还为各个国家带来了财富。如今，音乐已经融入我们社会生活的方方面面，艺术家们有更多机会接触到他们的目标受众，并从他们的作品中获利。得益于科技，音乐的购买和销售变得前所未有地容易。这种演变使许多人能够分享和支持他们喜欢的艺术家。

参考文献

- Alison Gerber. 2017. 艺术作品：创意职业中的价值。文化与经济生活。美国加利福尼亚州斯坦福：斯坦福大学出版社。 https://search.ebscohost.com/login.aspx?direct=true&db=e864sww&AN=1576918.

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-“西方音乐史/当代音乐”。维基教科书，开放图书，开放世界，2022 年 4 月 25 日。 https://wikibooks.cn/wiki/Western_Music_History/Contemporary_Music.

-“西方音乐史/现代音乐”。维基教科书，开放图书，开放世界，2022 年 4 月 25 日。 https://wikibooks.cn/wiki/Western_Music_History/Modern_Music.

- Wooten, Jadrian J.，Wayne Geerling 和 Angelito Calma。“将流行文化应用于课堂的多样化：使用 K-pop 教授经济学原理”。国际经济教育评论 38 (2021)：100220。 https://doi.org/10.1016/j.iree.2021.100220.

动物音乐学

在考虑构成我们今天所知西方社会音乐的众多因素时，重要的是要认识到西方音乐是如何以及在哪里演变的历史起源。在不断变化的当代世界中，越来越明显的是，西方音乐史在欣赏为西方音乐做出贡献的作曲家和表演者方面存在一定程度的排他性。这使得现代世代的人们对音乐的理解有所局限，导致他们对社会和世界的认识较为肤浅。许多现代音乐家和研究人员的工作从试图为一些种族、宗教和其他少数群体带来早就应该获得的认可开始，这些群体在他们对西方社会音乐的宝贵贡献的欣赏方面被某种程度上忽视了。尚未得到充分认可的作曲家群体之一是那些模仿自然界的音乐家和歌曲的人。

    Zoomusicology can be defined as a combination of multiple terms; musicology, zoology, semiotics, and zoosemiotics.  In order to fully understand the concepts and language of communication that encircles the concept of zoomusicology, semiotics and zoosemiotics must first be understood.  While discussing how an object or sound gains meaning, we use the term semiotics to name this process.  It occurs most often between two organisms, human or animal, and gives them a way to communicate with one another.  If semiotics describe the way in which one organism displays a sign and another perceives that sign as a signal that carries meaning and  valuable information, then zoosemiotics deals with the way in which signs and signals are understood and gain meaning between animals.  Musicology deals with the branch of research and scholarly study that is directly related to music.  When combining this term with zoology (which is the study of information pertaining to animals) as well as semiotics and zoosemiotics, the four result in zoomusicology: the study of music related to the communication amongst animals.  If one can understand the relationship between these four terms, they will develop a richer perspective when contemplating zoomusicology and its importance in our world.
    Zoomusicology is not limited to the interactions amongst animals and semiotics between humans.  This term has evolved to earn its place in the history of western music, positioning itself underneath the umbrella term that covers other forms of experimental music.  The term could also be included in contemporary music categories, even though the music of nature has long been in the world we live in, it remains a somewhat mysterious and arcane form.

自然界的声音经常被乐器、歌唱家，甚至一些当代和实验作品的作曲家模仿。然而，仔细观察西方音乐史，就会发现自然界从比当代音乐更早的时代就一直启发着我们的音乐类型。

    Perhaps the first recorded interaction between nature and western society would have been with Mozart and his starling.  Wolfgang Amadeus Mozart is a very well known musical composer from the Classical period.  Many individuals who study musicology will come across Mozart and read about some of the journals he kept in their research.  Mozart kept journals to jot down ideas for compositions, diary entries, notational transcriptions, and even his most recent purchases!  As the story goes, Mozart kept one of these such journals in which he recorded a recent purchase made from a pet store in Viennese (where he was living at the time).  Such a purchase would not normally demand the attention of studying doctorates and musical historians; however, this purchase was for a European Starling that later became known as “Mozart’s Starling”.  This particular species of bird has actually become an invasive species throughout North America, but despite its common and somewhat detested appearance, Mozart was able to find some beauty in his little bird.  In another one of his journals, the composer jotted down two phrases of a nearly identical melody on the same page.  Beneath one of the variations, he wrote “das was schön” in German, which translates to “that was beautiful” in English.  Historians have interpreted his comment as a compliment being directed towards his musical starling, who must have been singing the melody to the composer.  The starling’s variation was only slightly different from the succeeding phrase which is perceived to have been Mozart’s own transcription- later appearing as a replication of the opening of the third movement from his “Piano Concerto No. 17 in G major”.  
    An anecdote such as this begs the question to contemporary musicologists: who composed the melody first? Did Mozart teach his starling to imitate the phrase, or is it possible that the starling sang the phrase to Mozart first and he felt inspired?  Without a living witness to tell the story as it was confirmed, one cannot determine who sang the melody first, but the relationship between human and animal semiotics appears to be on a very similar scale between Mozart and his Starling. 
    Much of the information which can be found throughout history displays how closely the sounds of nature factor into human perspectives on the musical world.  Even since the encounter of Mozart and his starling, the music of animals has influenced western society for many centuries and will continue to do so for centuries to come. 
    Programmatic music became increasingly popular during the romantic period when the idea of experiencing a moment in life and sharing it with the world was finally achievable using instruments and the compositions of other performers to spread musical ideas.  A programmatic composition has the potential to mimic some of the many sounds of nature; perhaps one of the most well-known examples of this is Rimsky Korsakov’s “Flight of the Bumblebee”.  In this piece, the composer imitates the wing beat of a bumblebee taking flight through the use of instruments and rhythmic patterns, a romantical experience to be sure!  

随着时间的推移，当代音乐家甚至开始将一些自然界的声音融入他们的作品中，作为“即兴发挥”或即兴创作部分。这种作曲和表演风格更适合于实验性音乐，而不是程式化的音乐，但仍然体现了自然声音对西方社会持续的影响。一些现代小提琴家能够用他们的乐器模仿自然界的声音，这些声音有时会在当代的音乐会上被适当地使用！一些围绕音乐进行的伟大而有趣的发现实际上是受到对动物的研究的启发。即使在北美森林中漫步，也能听到啄木鸟为了寻找食物而敲击树木的声音。观察这些简单鸟类的个人可能没有意识到啄木鸟敲击树木是为了彼此交流！就像两个音乐家正在创作一首即兴的呼应式作品一样。

    Any choral or orchestral performer who has experienced performing as a member of a larger ensemble has felt the ground shake underneath them with all the noise and echoes that are dispersed around the room.  Even Ludwig Van Beethoven, who was believed to be almost completely deaf by the time he was forty-five could somehow hear well enough to conduct a group and to do so while keeping on beat with the time signature. The answer to how Beethoven may have done this lies within the sounds of animals around us once again.  In a study initiated by the Journal of the Acoustical Society of America, scientists came to the realization that two elephants could communicate with each other from many miles away, even without humans being able to hear audible vocalizations!  The elephants make sounds of such low frequencies that humans cannot hear the noise, but those sound waves travel down from the elephant’s resonating chambers and into the ground where they are conducted through the earth’s surface to the foot of an elephant standing miles away.  The second elephant was then shown to be able to interpret the message being passed on from the first by absorbing the vibrations through its feet and the rest of its body.  Similar studies have been conducted on whales; where the sound waves take on a similar approach but travel through the water much faster than on land.  Perhaps Beethoven was relying on more than a vast musical knowledge and his vision to conduct his final works.  Perhaps he was sensing the vibrations resonating through his body, just as animals do in their daily lives. 

不仅可以在自然界的声音与我们所知的西方社会音乐之间找到许多潜在的联系。动物音乐学还将动物的物理互动考虑在内。蚊子是世界上大部分地区常见的害虫，实际上，它们与自然界的二重唱伴侣之间存在自然发生的“和谐”。在 TED 演讲者 Greg Gage 和他的团队进行的一项实验中，他们用强力胶将不同的蚊子固定在麦克风上方，以记录它们翅膀拍打的频率。该团队小心地粘住蚊子的身体，但让翅膀保持自由，以便它们能够像往常一样自由地振动和共振。随着研究的进行，研究小组发现雄性蚊子的翅膀拍打速度会产生约 600Hz 的声音，而雌性蚊子的翅膀拍打速度约为 400Hz。然而，当一只雄性蚊子和一只雌性蚊子被限制在一起时，这对蚊子会进行求偶行为，导致两只蚊子之间的音调频率相匹配。换句话说，这些昆虫要么加快要么减慢它们的翅膀拍打速度，以完美地与它们的二重唱伴侣同步！这导致了音乐学和动物学方面的最新发现，但究竟哪一个先出现？也许蚊子才是真正的二重唱的发明者，而人类在模仿自然界的声音时，甚至没有意识到音乐和自然界是如何如此紧密地联系在一起的。

    There are so many recorded encounters with animals and nature being found within the influences of western music, surely they cannot be a simple coincidence.  Our world was created by a creator who had a form of harmony in mind, and a music that would encompass all of the creatures on the planet.  In order to give them some way to communicate with each other, He gifted them with the gift of music.  One of the most controversial topics debated by contemporary musicologists revolves around the idea of whether or not music can be considered a universal language.  However, in order for a language to be considered universal that means it must be understood by people of all race, language, identity, and background, which is not always the case.  Even though music might be completely universal and comprehensible by each and every person, it cannot be denied that there is a very close correlation between the music of western society which has spread throughout most of the world, and the music of nature that sings all around us whether we are aware of it or not. Perhaps music is not a universal language, but the language is the music.  Animals and humans have been able to coexist on the same planet for centuries, it’s no wonder that they would have developed some method that allows them to understand and communicate with each other; as humans, we come to relate with animals by studying zoomusicology and how it relates to our lives as members of western society. 
    Even though contemporary music is generally refined to more specific categories, western society must be careful not to exclude each and every contributor from the history of the genre. This includes composers of unique origins and backgrounds, and even the animals that roam the planet alongside us, inspiring some of the greatest of composers! One must be careful not to misuse the gift that has been given to us to be able to communicate with one another and to understand animals using the experiences, wisdom, and sounds of nature. 

当代基督教音乐

在 20 世纪 60 年代，当代基督教音乐开始成为基督教乐队创作的重要组成部分。许多作曲家开始创作当代音乐，因为这是音乐的潮流，因此随着更多人加入，它变得越来越流行。在 20 世纪 60 年代，由于作曲家的推动，基督教音乐开始流行起来，这引发了“耶稣运动”，进而导致许多其他作曲家对这种音乐类型更加感兴趣。就像音乐一样，有了当代基督教音乐，然后许多作曲家加入并帮助它变得更加流行，还有他们发起的“耶稣运动”来帮助那些有需要的人。当代基督教音乐最初是在 20 世纪 70 年代和 80 年代开始流行起来的，因为当时许多乐队加入了这种音乐类型，当时被称为 CCM。当代基督教音乐类型包括许多其他类型，如摇滚、民谣、敬拜和一些乡村音乐，以展现音乐类型的融合，以及所有人都被接纳。这是一个大型音乐类型，旨在将喜欢不同音乐风格的人聚集在一起聆听音乐，同时学习有关上帝的知识，希望他们能够在信仰方面更加坚定。许多人将其简称为 CCM，因为这是一个缩写，他们认为这是“滋养人心的音乐”，它会滋养人们成为更好的基督徒，并滋养人们的心灵，使他们成为信徒。许多著名的作曲家都是这种音乐类型的代表，例如迈克尔·W·史密斯、艾米·格兰特和 DC Talk。

   DC Talk were christian composers that made tons of music for this genre, and they made songs that were more rock focused, with rap in them, because they believed that people, especially the younger would love rock songs, instead of gospel. Their music had great meaning in them, and were able to teach people more about their religion, hoping that others would join too. One of their biggest songs that people liked was called Jesus Freak, which had a very big meaning behind it that a lot of people enjoyed. This song was created to show how persecution was, and that it could occur again in the future, however, they called themselves “Jesus Freaks”, and claimed that they should not be embarrassed about it, and instead, be proud of what they are. The band consisted of three members that went on tours, and made their own rock music. They believed that being in that genre opened a door for them for what they could create to help those in need. They really liked the CCM, and even would talk about it, and the bible in their concerts. Just like Michael W. Smith, they were one of the biggest composers that were a part of the CCM. Michael W. Smith is a christian composer that has created a lot of music, which most were worship songs. He believed that not everyone liked rock music, and that he wanted to show that people like gospel music, showing the blend of the genres. One of his biggest worship songs was the song Waymaker that was made to believe in God, in hope that others would do the same. Even though himself, and Dc Talk created a lot of music for this genre, the Jesus Movement did a lot for this genre too, and got many to become christians.

耶稣运动发生在 1960 年代到 1970 年代初期，其目的是创作年轻一代喜欢的音乐。他们认为许多年轻人对信仰感到迷茫，因此他们专注于为年轻人创作音乐，希望能帮助他们坚固信仰。后来，许多乐队要么解散，要么离开了运动，因此耶稣运动很快便停止运作，甚至没有持续十年。耶稣运动是一个伟大的运动，它帮助了许多人，甚至为世人留下了充满意义的优秀音乐。在运动活跃期间，他们相信耶稣即将降临，所有人都应该做好准备迎接他的到来。许多参与运动的乐队，例如 DC Talk，会在演唱会上朗读圣经经文，并讲述关于他们宗教的故事。他们也自称“耶稣迷”，并且不理会他人的看法。他们的歌曲充满了希望和鼓励，并通过歌曲歌颂上帝，传递着信息。大多数音乐都是为年轻人创作的，但后来他们开始为所有人创作音乐，甚至表明所有类型都能融入其中。当代基督教音乐是许多人宗教信仰的重要组成部分，许多作曲家，例如 Michael W. Smith 和 DC Talk，创作音乐来帮助世界。在 1960 年代，由于作曲家的出现，基督教音乐开始流行起来，随后出现了耶稣运动，促使更多作曲家对这种类型产生了兴趣。耶稣运动是音乐的重要组成部分，它让许多人成为基督教徒。像 Michael W. Smith 和 DC Talk 这样的作曲家帮助世界各地的人们理解歌曲背后的真相和意义，并通过音乐传授了许多道理。当代音乐类型整体上为许多不同艺术家打开了大门，让许多类型融合在一起，为有需要的人带来希望。这种类型的音乐不仅在过去帮助了很多人，而且在现在也帮助了很多人，因为音乐的力量以及每首歌的意义。

参考文献：Howard，Jay R. 和 John M Streck。“当代基督教音乐的支离破碎的艺术世界。”流行音乐，第 15 卷，第 1 期，1996 年 1 月，第 37-53 页“耶稣登上排行榜：当代基督教音乐的商业。”基督教世纪，www.christiancentury.org/article/2002-12/jesus-climbs-charts。认识 TobyMac，基督教音乐界最大的明星之一 - 华盛顿邮报，www.washingtonpost.com/entertainment/music/meet-tobymac-one-of-christian-musics-biggest-stars/2013/10/31/ab620922-40ab-11e3-9c8b-e8deeb3c755b_story.html。

新灵魂乐

新灵魂乐是一种音乐类型，起源于 1990 年代后期和 2000 年代初期，融合了灵魂乐、节奏布鲁斯、放克、爵士、嘻哈，有时甚至电子音乐的元素。它以其流畅的灵魂乐人声、悠闲的节奏和具有反思性的歌词为特征。一些著名的新灵魂乐艺术家包括埃里卡·巴杜、D'Angelo、吉尔·斯科特、麦克斯韦尔、安吉·斯通和劳琳·希尔。新灵魂乐的流行是作为对当时流行的更精致、更商业化的当代节奏布鲁斯声音的反应而出现的，通过融合爵士、放克和福音音乐的灵魂乐旋律，以及诗意的歌词和创新的制作技巧，新灵魂乐成为了艺术家发声的载体，同时也挑战了主流叙事，从而形成了一个充满活力的音乐景观，它不断发展并激励着人们。

类型的融合

新灵魂乐是不同类型的融合；由于爵士的影响，在类型的融合中，对和声和和弦进行的强调非常大。扩展和弦、模态替换和音阶化也被用来创造复杂的和声织体，为这些音乐方面的组成增添了深度和复杂性。节奏和节奏在新灵魂乐中起着核心作用。这种类型的许多艺术家和制作人都非常注重其配乐的感觉和节奏。悠闲的中速节奏和节奏创造了一种具有感染力的感觉，鼓励听众随着音乐律动。与严重依赖电子制作的当代节奏布鲁斯和嘻哈类型不同，新灵魂乐经常包含现场乐器。这包括吉他、贝斯、鼓、键盘、管乐器和弦乐器。这突出了有机乐器的使用，并为该类型的温暖、有质感的音调和特征做出了贡献。从新灵魂乐的折衷融合到其所体现的深刻情感深度，这种类型以其丰富的音色和发自内心的歌词吸引着听众。

情感深度和真实性

新灵魂乐的情感深度产生了深刻的共鸣，将复杂的情感层次和真实性融入其旋律、歌词和人声表演中，以其原始的、令人心酸的真诚吸引着听众。歌词方面，新灵魂乐歌曲经常探讨爱情、关系、自我发现、社会公平和精神性主题。艺术家将他们的音乐作为个人表达、讲故事和社会评论的平台，将诚实、脆弱和反省融入他们的歌词中。通过对文字和故事的迷人运用，艺术家们将他们的音乐作为个人表达和社会评论的平台。歌词诚实，体现了脆弱和反省。在呈现这些歌词时，经常会分享丰富的感情和声乐风格。借鉴了像阿瑞莎·弗兰克林、阿尔·格林和马文·盖伊这样的传统经典灵魂乐歌手。新灵魂乐中的人声表演非常注重表达、亲密感和真实性；歌手充满热情和信念地演唱发自内心的歌词。从其深刻的情感深度到其突破界限的非凡能力，新灵魂乐不仅以其原始的情感吸引着人们，而且以其融合类型和探索全新声音领域的创新方法吸引着人们。在呈现这些歌词时，经常会分享丰富的感情和声乐风格。借鉴了像阿瑞莎·弗兰克林、阿尔·格林和马文·盖伊这样的传统经典灵魂乐歌手。新灵魂乐中的人声表演非常注重表达、亲密感和真实性。从其深刻的情感深度到其突破界限的非凡能力，新灵魂乐不仅以其原始的情感吸引着人们，而且以其融合类型和探索全新声音领域的创新方法吸引着人们。

突破界限

新灵魂乐突破了类型惯例的界限，大胆地探索声音和风格，挑战音乐规范，促进创造性的发展。新灵魂乐中创新的制作技巧突破了声音的界限，将传统元素与当代实验相结合，创造出独特的、身临其境的听觉体验。新灵魂乐制作人采用创新的制作技巧，创造出丰富、氛围感的声音景观，以补充该类型的灵魂乐人声和现场乐器。这包括采样、电子效果、工作室操作以及创造性的混音和母带制作方法，以实现独特的审美风格。在新灵魂乐中，歌词和人声表达无缝地交织在一起，创造出一种感人至深的体验，通过其原始的情感、辛酸的故事讲述和真实的演绎与听众产生共鸣。通过在歌词中探讨复杂且通常是禁忌的主题，新灵魂乐音乐家突破了传统歌曲创作的界限，也挑战听众去接触更深层次的意义和情感。人声艺术家对人声技巧、旋律短语和即兴创作的实验突破了传统人声表演的界限，探索了新的表达和创造力途径。新灵魂乐音乐中多元的代表性反映了其包容性的精神，展示了广泛的声音、经历和观点，丰富了该类型充满活力的编织结构。由于涉及了如此多的不同类型，因此多元的代表性突出了主流音乐中许多不同的声音和被边缘化的个人。这包括女性、有色人种、LGBTQIA+ 社区以及许多其他边缘化社区。新灵魂乐音乐对文化和社会产生了深远的影响，它成为了边缘化社区的声音，并通过其具有反思性的歌词和突破界限的声音激发了变革运动。新灵魂乐音乐影响着时尚艺术，并塑造着流行文化。通过解决紧迫的社会问题并倡导变革，新灵魂乐音乐新灵魂乐艺术家突破了音乐作为一种社会行动主义和文化表达形式的可能性边界。

结论

新灵魂乐音乐证明了艺术表达的变革力量。通过将爵士、放克和福音音乐的丰富声音与突破界限的制作的具有影响力的歌词交织在一起，它不仅为未被听到的声音提供了一个平台，而且还敢于质疑现状；在这样做的过程中，它重塑了音乐景观，鼓励真实性和多样性，同时激励听众拥抱变革和创造力。新灵魂乐音乐不仅仅是一种类型；它是一个运动，是一段不断变化的自我发现和社会反思之旅。

参考文献

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“模态替换：继他的模态和声文章之后，Dave 为我们提供了将和弦替换进出进行的新方法。”《电子音乐家》，第 37 卷，第 1 期，2021 年 1 月，第 30-31 页。EBSCOhost，search.ebscohost.com/login.aspx?direct=true&db=a9h&AN=146941644。

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